Small Male Stories (votação)
O Chá de Limão já anunciou os finalistas da 1ª fase do concurso que organizou durante o último mês e que se foi anunciando aqui no Melhor Anjo. O prémio do 1º concurso de contos gay da blogaysfera será a sua divulgação em vários blogs. A escolha do vencedor pode ser feita aqui.
Eis a lista dos escolhidos:
SMS#02 - E Deus criou a Mulher…(Alex)
sms#3 - Abril em NY (Pedro Torcato)
sms#5 - Uma história simples (O outro)
sms#13 - Lindas meninas (Douro Boy)
sms#15 - Casamento GAY, em Portugal (Je Bois)
sms#26 - O Vício (Sérgio)
A votação decorre até dia 05 de Dezembro.
quarta-feira, novembro 24, 2004
A lei dos amantes (44)
Siempre que te pregunto
Que, cuándo, cómo y dónde
Tú siempre me respondes
Quizás, quizás, quizás
Y así pasan los días
Y yo, desesperando
Y tú, tú contestando
Quizás, quizás, quizás
Estás perdiendo el tiempo
Pensando, pensando
Por lo que más tú quieras
¿Hasta cuándo? ¿Hasta cuándo?
Y así pasan los días
Y yo, desesperando
Y tú, tú contestando
Quizás, quizás, quizás
Estás perdiendo el tiempo
Pensando, pensando
Por lo que más tú quieras
¿Hasta cuándo? ¿Hasta cuándo?
Y así pasan los días
Y yo, desesperando
Y tú, tú contestando
Quizás, quizás, quizás
Siempre que te pregunto
Que, cuándo, cómo y dónde
Tú siempre me respondes
Quizás, quizás, quizás
Y así pasan los días
Y yo, desesperando
Y tú, tú contestando
Quizás, quizás, quizás
Estás perdiendo el tiempo
Pensando, pensando
Por lo que más tú quieras
¿Hasta cuándo? ¿Hasta cuándo?
Y así pasan los días
Y yo, desesperando
Y tú, tú contestando
Quizás, quizás, quizás
Estás perdiendo el tiempo
Pensando, pensando
Por lo que más tú quieras
¿Hasta cuándo? ¿Hasta cuándo?
Y así pasan los días
Y yo, desesperando
Y tú, tú contestando
Quizás, quizás, quizás
6ª Mostra de Teatro Jovem MostraTE (VII)
Na sequência das perguntas feitas à Câmara Municipal de Lisboa - Pelouro da Juventude, responsável pela iniciativa, apresentamos hoje as perguntas feitas ao Teatro Taborda/EGEAC, responsáveis pela gestão criativa da MostraTE. Responde Mónica Almeida, gestora do Teatro Taborda:
O MELHOR ANJO (OMA): Que papel espera cumprir o Teatro Taborda com a organização da MostraTE?
TEATRO TABORDA (TT): O Teatro Taborda, sob a gestão da EGEAC e em parceria com o Pelouro da Juventude da Câmara Municipal de Lisboa, pretende com a organização da mostra TE promover e divulgar os projectos de jovens Companhias e Criadores, criando a oportunidade de se apresentarem publicamente, e assegurando a inerente campanha de comunicação.
OMA: Que noção tem o Teatro Taborda das razões que levam as companhias a apresentarem propostas?
TT: Pelo retorno que nos chega por parte das companhias, compreendemos que é precisamente a importância da apresentação dos projectos e da promoção do seu trabalho que as impele a apresentar propostas.
OMA: A MostraTE é representativa de que realidade?
TT: A mostra TE pretende ser representativa da criação teatral realizada por jovens companhias e autores, cujos projectos se desenvolvem da área do concelho de Lisboa e considerando a regularidade e consistência dos criadores e das estruturas de produção
Na sequência das perguntas feitas à Câmara Municipal de Lisboa - Pelouro da Juventude, responsável pela iniciativa, apresentamos hoje as perguntas feitas ao Teatro Taborda/EGEAC, responsáveis pela gestão criativa da MostraTE. Responde Mónica Almeida, gestora do Teatro Taborda:
O MELHOR ANJO (OMA): Que papel espera cumprir o Teatro Taborda com a organização da MostraTE?
TEATRO TABORDA (TT): O Teatro Taborda, sob a gestão da EGEAC e em parceria com o Pelouro da Juventude da Câmara Municipal de Lisboa, pretende com a organização da mostra TE promover e divulgar os projectos de jovens Companhias e Criadores, criando a oportunidade de se apresentarem publicamente, e assegurando a inerente campanha de comunicação.
OMA: Que noção tem o Teatro Taborda das razões que levam as companhias a apresentarem propostas?
TT: Pelo retorno que nos chega por parte das companhias, compreendemos que é precisamente a importância da apresentação dos projectos e da promoção do seu trabalho que as impele a apresentar propostas.
OMA: A MostraTE é representativa de que realidade?
TT: A mostra TE pretende ser representativa da criação teatral realizada por jovens companhias e autores, cujos projectos se desenvolvem da área do concelho de Lisboa e considerando a regularidade e consistência dos criadores e das estruturas de produção
6ª Mostra de Teatro Jovem MostraTE (VI) - PRIVATE LIVES
PRIVATE LIVES
Teatro Taborda
24 Novembro
22h00
A distribuição dos 4 papéis pelos 6 actores é uma Roleta-Russa oferecida, de bandeja, ao público.
Serão a Serendipidade, o Book-Crossing, o Random Order, O Nietzsche (!) e o Amor (!!?) farinha do mesmo saco?
De Noël Coward ainda não sabemos se gostamos. Nunca percebemos em que parte da zona cinzenta e infinita que vai do dandy intelectual ao queer fútil é que ele se situa. É neste território movediço, neste pântano, que se vai operar a construção da peça e do espectáculo. E é aqui que o universo cool e eficaz de Noël Coward sofre um duro golpe do destino: a encenação (público e actores) deste espectáculo nunca será mais do que um produto da casuística e da assunção dos resultados. E que ninguém se desobrigue das consequências.
O Teatro Praga é um colectivo que funciona mediante as propostas e os desenvolvimentos pessoais dos membros do grupo, mas sempre com uma perspectiva do percurso e das ansiedades do todo, como uma estrutura permanente que abriga e desenvolve projectos.
Pretendemos reflectir sobre um teatro livre de preconceitos formais e estéticos. Pretendemos que o acto de criação seja feito de falhas e de arranques sucessivos, de entidades nebulosas e de pulsões vitais. Queremos um espaço em branco feito de oportunidades e de encontros furtivos que tragam à luz momentos de discussão e confronto. Queremos recusar efeitos eminentemente fictícios e recusamos a ideia de um teatro feito de regras basilares e de dogmas cristalizados. O espaço que criámos e continuamos a desenvolver faz-se da valorização do actor como agente primeiro da criação, mas não se auto-compadece com um espaço meramente reflexivo, aposta fortemente na execução e na fisicalidade (humana e material).
Projecto Vencedor do Prémio "Teatro na Década 2003" e Prémio Melhor Actriz (Paula Diogo) do Clube Português de Artes e Ideias
Uma co-criação de André E. Teodósio, Carlos Alves, Paula Diogo, Patrícia da Silva, Pedro Penim e Sofia Ferrão. tradução: carlos falcão | produção executiva e promoção: pedro pires | styling: sofia aparício | design gráfico: paulo veiga | fotografias: luis piorro | colaboração: cão solteiro
PRIVATE LIVES
Teatro Taborda
24 Novembro
22h00
A distribuição dos 4 papéis pelos 6 actores é uma Roleta-Russa oferecida, de bandeja, ao público.
Serão a Serendipidade, o Book-Crossing, o Random Order, O Nietzsche (!) e o Amor (!!?) farinha do mesmo saco?
De Noël Coward ainda não sabemos se gostamos. Nunca percebemos em que parte da zona cinzenta e infinita que vai do dandy intelectual ao queer fútil é que ele se situa. É neste território movediço, neste pântano, que se vai operar a construção da peça e do espectáculo. E é aqui que o universo cool e eficaz de Noël Coward sofre um duro golpe do destino: a encenação (público e actores) deste espectáculo nunca será mais do que um produto da casuística e da assunção dos resultados. E que ninguém se desobrigue das consequências.
O Teatro Praga é um colectivo que funciona mediante as propostas e os desenvolvimentos pessoais dos membros do grupo, mas sempre com uma perspectiva do percurso e das ansiedades do todo, como uma estrutura permanente que abriga e desenvolve projectos.
Pretendemos reflectir sobre um teatro livre de preconceitos formais e estéticos. Pretendemos que o acto de criação seja feito de falhas e de arranques sucessivos, de entidades nebulosas e de pulsões vitais. Queremos um espaço em branco feito de oportunidades e de encontros furtivos que tragam à luz momentos de discussão e confronto. Queremos recusar efeitos eminentemente fictícios e recusamos a ideia de um teatro feito de regras basilares e de dogmas cristalizados. O espaço que criámos e continuamos a desenvolver faz-se da valorização do actor como agente primeiro da criação, mas não se auto-compadece com um espaço meramente reflexivo, aposta fortemente na execução e na fisicalidade (humana e material).
Projecto Vencedor do Prémio "Teatro na Década 2003" e Prémio Melhor Actriz (Paula Diogo) do Clube Português de Artes e Ideias
Uma co-criação de André E. Teodósio, Carlos Alves, Paula Diogo, Patrícia da Silva, Pedro Penim e Sofia Ferrão. tradução: carlos falcão | produção executiva e promoção: pedro pires | styling: sofia aparício | design gráfico: paulo veiga | fotografias: luis piorro | colaboração: cão solteiro
terça-feira, novembro 23, 2004
Poética do quotidiano (LIX)
Novamente o Cachucho (colaborador no Enresinados) a vencer o prémio poética do quotidiano. Que me perdoem os milhares de bloggers que se esmeram a fazer posts para o prémio, mas quando se é fã, é-se fã.
QUE MARAVILHA...
... vir trabalhar, às 10:30, depois de um belo pequeno almoço, vir a curtir um sol fantástico pelo caminho, chegar ao trabalho e ter de gramar com litros e litros de sonasol verde pelo chão, que as empregadas da limpeza fazem questão de usar em quantidades industriais.
Mais do que limpeza, esta treta, é uma tentativa de homícidio.
Novamente o Cachucho (colaborador no Enresinados) a vencer o prémio poética do quotidiano. Que me perdoem os milhares de bloggers que se esmeram a fazer posts para o prémio, mas quando se é fã, é-se fã.
QUE MARAVILHA...
... vir trabalhar, às 10:30, depois de um belo pequeno almoço, vir a curtir um sol fantástico pelo caminho, chegar ao trabalho e ter de gramar com litros e litros de sonasol verde pelo chão, que as empregadas da limpeza fazem questão de usar em quantidades industriais.
Mais do que limpeza, esta treta, é uma tentativa de homícidio.
6ª Mostra de Teatro Jovem de Lisboa - Grupo Nós
A apresentação, no passado domingo, do espectáculo MITOS DO UNIVERSO, no âmbito da 6ª MostraTE, levanta demasiadas questões que pouco têm a ver com teatro. Por não se ter tratado de um espectáculo propriamente dito, mas antes de uma apresentação de exercícios dos utentes da Associação Portuguesa de Pais e Amigos do Cidadão Deficiente Mental de Lisboa e, ainda, porque o público presente era composto pelos familiares dos participantes, não seria justa uma análise como as que têm sido desenvolvidas para os outros espectáculos (TartNoir, Pour Homme, Querosene ("arde sem se ver")).
Assim, as considerações sobre a participação deste grupo de teatro serão remetidas para o paper final, a apresentar no início de Dezembro e onde se tratarão, entre outras, das questões de definição de uma mostra de teatro.
A apresentação, no passado domingo, do espectáculo MITOS DO UNIVERSO, no âmbito da 6ª MostraTE, levanta demasiadas questões que pouco têm a ver com teatro. Por não se ter tratado de um espectáculo propriamente dito, mas antes de uma apresentação de exercícios dos utentes da Associação Portuguesa de Pais e Amigos do Cidadão Deficiente Mental de Lisboa e, ainda, porque o público presente era composto pelos familiares dos participantes, não seria justa uma análise como as que têm sido desenvolvidas para os outros espectáculos (TartNoir, Pour Homme, Querosene ("arde sem se ver")).
Assim, as considerações sobre a participação deste grupo de teatro serão remetidas para o paper final, a apresentar no início de Dezembro e onde se tratarão, entre outras, das questões de definição de uma mostra de teatro.
6ª Mostra de Teatro Jovem de Lisboa - MostraTE (V)
Continuando a fazer a cobertura da 6ª MostraTE, apresentamos hoje as perguntas feitas à entidade promotora. Em nome do Departamento da Juventude da Câmara Municipal de Lisboa, respondeu o Dr. Pedro Amaro. Conta-se apresentar ainda as respostas às perguntas feitas à EGEAC/Teatro Taborda, responsáveis pela organização do evento.
O MELHOR ANJO (OMA): Que importância tem a organização da MostraTE para o departamento da Juventude da Câmara Municipal de Lisboa? E dentro da CML?
Câmara Municipal Lisboa: Para o Pelouro da Juventude da CML a mostra TE é o grande evento de teatro feito por jovens e para os jovens da Cidade e uma das formas através da qual incentivamos e apoiamos a arte teatral.
OMA: Que critérios foram estabelecidos para a selecção dos espectáculos a apresentar?
CML: Na selecção das peças é tida em consideração a qualidade e interesse do projecto, a par das caracteristicas, percurso e trabalho realizado pelos autores.
OMA: Com que bases foi calculado o valor do cachet a pagar por espectáculo?
CML: Não atribuímos cachet. O Pelouro da Juventude e a EGEAC dão apoio à produção e montagem das peças (CML - fincanceiro e EGEAC - Artistico). O Pelouro da Juventude assegura a sua divulgação e a EGEAC disponibiliza o espaço.
OMA: Qual o público-alvo da iniciativa e que respostas têm obtido?
CML: Uma vez que é uma iniciativa muito abrangente, o público-alvo não é específico. A taxa de adesão tem vindo a aumentar, sendo já muito significativa, o que se comprova pela afluência de público e pela projecção que esta iniciativa tem junto da comunicação social.
Continuando a fazer a cobertura da 6ª MostraTE, apresentamos hoje as perguntas feitas à entidade promotora. Em nome do Departamento da Juventude da Câmara Municipal de Lisboa, respondeu o Dr. Pedro Amaro. Conta-se apresentar ainda as respostas às perguntas feitas à EGEAC/Teatro Taborda, responsáveis pela organização do evento.
O MELHOR ANJO (OMA): Que importância tem a organização da MostraTE para o departamento da Juventude da Câmara Municipal de Lisboa? E dentro da CML?
Câmara Municipal Lisboa: Para o Pelouro da Juventude da CML a mostra TE é o grande evento de teatro feito por jovens e para os jovens da Cidade e uma das formas através da qual incentivamos e apoiamos a arte teatral.
OMA: Que critérios foram estabelecidos para a selecção dos espectáculos a apresentar?
CML: Na selecção das peças é tida em consideração a qualidade e interesse do projecto, a par das caracteristicas, percurso e trabalho realizado pelos autores.
OMA: Com que bases foi calculado o valor do cachet a pagar por espectáculo?
CML: Não atribuímos cachet. O Pelouro da Juventude e a EGEAC dão apoio à produção e montagem das peças (CML - fincanceiro e EGEAC - Artistico). O Pelouro da Juventude assegura a sua divulgação e a EGEAC disponibiliza o espaço.
OMA: Qual o público-alvo da iniciativa e que respostas têm obtido?
CML: Uma vez que é uma iniciativa muito abrangente, o público-alvo não é específico. A taxa de adesão tem vindo a aumentar, sendo já muito significativa, o que se comprova pela afluência de público e pela projecção que esta iniciativa tem junto da comunicação social.
segunda-feira, novembro 22, 2004
Coisas perdidas na mudança de casa (ou que ainda não encontrei)
- comandos da televisão, vídeo, aparelhagem;
- saco de areia da praia de Barceloneta;
- 6 copos de vinho com pé alto;
- pés do sofá;
- faca de trinchar a carne;
- fondue;
- suporte de condimentos;
- umas revistas de arquitectura que já nem me lembro porque guardei;
- um bocadinho de energia;
- alguns cd's (que desconfio que não me foram devolvidos)
- uma coluna do gira-discos;
- continuo à procura de mais coisas...
- comandos da televisão, vídeo, aparelhagem;
- saco de areia da praia de Barceloneta;
- 6 copos de vinho com pé alto;
- pés do sofá;
- faca de trinchar a carne;
- fondue;
- suporte de condimentos;
- umas revistas de arquitectura que já nem me lembro porque guardei;
- um bocadinho de energia;
- alguns cd's (que desconfio que não me foram devolvidos)
- uma coluna do gira-discos;
- continuo à procura de mais coisas...
Poética do quotidiano (LVIII)
A Pollijean lança o apelo. Aceitam-se inscrições no seu blog, Bolas de Berlim. Aqui no anjo, a melhor coisa que podemos fazer é ajudar ao apelo, já que o talento para a bricolage é nulo.
Paizinho que estás tão longe...
Gajo precisa-se:
- 20 – 40 anos
- 1,70 m (no mínimo)
- forte e robusto
- que não sofra de vertigens
- com conhecimentos de electricidade e bricolage
- que queira ajudar uma gaja em aflição
Para:
- instalar e pendurar 4 candeeiros;
- pregar uma prateleira à parede;
- fazer mais uns quantos furos (na parede);
- instalar a cortina do banho;
- mais qualquer coisa que surja (de bricolage, entenda-se!)
Aceitam-se inscrições neste blog.
A Pollijean lança o apelo. Aceitam-se inscrições no seu blog, Bolas de Berlim. Aqui no anjo, a melhor coisa que podemos fazer é ajudar ao apelo, já que o talento para a bricolage é nulo.
Paizinho que estás tão longe...
Gajo precisa-se:
- 20 – 40 anos
- 1,70 m (no mínimo)
- forte e robusto
- que não sofra de vertigens
- com conhecimentos de electricidade e bricolage
- que queira ajudar uma gaja em aflição
Para:
- instalar e pendurar 4 candeeiros;
- pregar uma prateleira à parede;
- fazer mais uns quantos furos (na parede);
- instalar a cortina do banho;
- mais qualquer coisa que surja (de bricolage, entenda-se!)
Aceitam-se inscrições neste blog.
O Estratagema do amor
A Cinemateca passa hoje, às 21h30 e em ante-estreia, o 1º filme - uma curta-metragem - de Ricardo Aibéo, O Estratagema do amor. Trata-se de uma adaptação do conto «Agustine de Villeblanche», do Marquês de Sade e recebeu, no último Festival de Curtas Metragens de Vila do Conde, o prémio de melhor actriz, para Rita Durão.
O filme passa como complemento ao filme El Angel Exterminador, de Luis Buñuel. E não podia ser melhor. O Ricardo é um fã do realizador espanhol, tendo-se estreado na encenação com o único texto de teatro que Buñuel fez: Hamlet - Uma tragédia cómica..
Ficam as sinopses para uma noite que se quer surreal.
EL ÁNGEL EXTERMINADOR
O Anjo Exterminador
De Luis Buñuel
Espanha, 1962 - 92 min.
Não Legendado
Produzido por Gustavo Alatriste com total liberdade para Buñuel, EL ÁNGEL EXTERMINADOR concentra o universo do cinema de Buñuel e é simultaneamente um regresso ao surrealismo de CHIEN ANDALOU e L’ÂGE D’OR (expressamente citados neste filme), de novo abrindo “todas as portas ao irracional”. Depois de um faustoso jantar, os convidados descobrem-se impossibilitados de sair da casa em que se reuniram…
O ESTRATAGEMA DO AMOR
De Ricardo Aibéo
Portugal, 2004 - 20 min, 2004 - 20 min.
Não Legendado
Primeiro filme de Ricardo Aibéo, a partir do conto de Marquês de Sade Augustine de Villeblanche. O ESTRATAGEMA DO AMOR adapta a história de sedução, máscaras e enganos da impetuosa Agustina e do seu jovem apaixonado Franville a Lisboa, meados do século XVIII. O ESTRATAGEMA DO AMOR foi já exibido no IndieLisboa e no Festival Internacional de Curtas-Metragens de Vila do Conde, onde o prémio de melhor interpretação feminina foi atribuído a Rita Durão.
Agustina é uma jovem rapariga bonita, solteira, bem nascida e muito “senhora de si”. A sua paixão são as outras raparigas como ela. Para a satisfação dos inpulsos do amor, não lhe restam dúvidas de que a participação da orgulhosa raça masculina é, sobre que inútil, nefasta. O jovem Franville, conhecendo as inabaláveis convicções de Agustina desenvolve contra o sexo oposto, e perdido de paixão por ela, decide conquistá-la disfarçando-se de mulher.
A Cinemateca passa hoje, às 21h30 e em ante-estreia, o 1º filme - uma curta-metragem - de Ricardo Aibéo, O Estratagema do amor. Trata-se de uma adaptação do conto «Agustine de Villeblanche», do Marquês de Sade e recebeu, no último Festival de Curtas Metragens de Vila do Conde, o prémio de melhor actriz, para Rita Durão.
O filme passa como complemento ao filme El Angel Exterminador, de Luis Buñuel. E não podia ser melhor. O Ricardo é um fã do realizador espanhol, tendo-se estreado na encenação com o único texto de teatro que Buñuel fez: Hamlet - Uma tragédia cómica..
Ficam as sinopses para uma noite que se quer surreal.
EL ÁNGEL EXTERMINADOR
O Anjo Exterminador
De Luis Buñuel
Espanha, 1962 - 92 min.
Não Legendado
Produzido por Gustavo Alatriste com total liberdade para Buñuel, EL ÁNGEL EXTERMINADOR concentra o universo do cinema de Buñuel e é simultaneamente um regresso ao surrealismo de CHIEN ANDALOU e L’ÂGE D’OR (expressamente citados neste filme), de novo abrindo “todas as portas ao irracional”. Depois de um faustoso jantar, os convidados descobrem-se impossibilitados de sair da casa em que se reuniram…
O ESTRATAGEMA DO AMOR
De Ricardo Aibéo
Portugal, 2004 - 20 min, 2004 - 20 min.
Não Legendado
Primeiro filme de Ricardo Aibéo, a partir do conto de Marquês de Sade Augustine de Villeblanche. O ESTRATAGEMA DO AMOR adapta a história de sedução, máscaras e enganos da impetuosa Agustina e do seu jovem apaixonado Franville a Lisboa, meados do século XVIII. O ESTRATAGEMA DO AMOR foi já exibido no IndieLisboa e no Festival Internacional de Curtas-Metragens de Vila do Conde, onde o prémio de melhor interpretação feminina foi atribuído a Rita Durão.
Agustina é uma jovem rapariga bonita, solteira, bem nascida e muito “senhora de si”. A sua paixão são as outras raparigas como ela. Para a satisfação dos inpulsos do amor, não lhe restam dúvidas de que a participação da orgulhosa raça masculina é, sobre que inútil, nefasta. O jovem Franville, conhecendo as inabaláveis convicções de Agustina desenvolve contra o sexo oposto, e perdido de paixão por ela, decide conquistá-la disfarçando-se de mulher.
Com a presença de Ricardo Aibéo
Vou a tua casa - lado b (no caminho) - estreia
Aqui, a 1ª parte de Vou a tua casa.
entre a tua casa – onde estive –, e a minha – onde gostava que pudesses estar –, existe um ponto no meio. um ponto a caminho. no caminho. se me apanhares aí, nesse sítio, poderei então contar-te o segredo, desmascarar tudo, e desmascarar-me. nesse sítio impossível onde é possível respirarmos os dois ao mesmo tempo, quero pertencer ao teu mundo. de forma definitiva e perdida. não interessa o resto. interessa o que eu tiver para te contar, nesse instante, e o que tu quiseres que eu elimine de mim. deitarei fora tanto da minha vida real quanto a tua vontade de ver um espectáculo ditar. e depois será para sempre. até me fartar. até te fartares. e a coisa morrer de acordo com as leis naturais do universo. todas.
Rogério Nuno Costa, depois de Torres Vedras e Londres, estreia em Lisboa, a 2ª parte da trilogia VOU A TUA CASA.
Até ao final do ano chinês (em Fevereiro 2005), fica a aguardar um encontro, desta vez, não na casa do espectador, mas no sítio da sua eleição.
Os espectáculos podem ser marcados por telefone (91 640 99 98), e-mail (vouatuacasa@hotmail.com) ou no blog Vou a tua casa.
Até ao final do ano chinês (em Fevereiro 2005), fica a aguardar um encontro, desta vez, não na casa do espectador, mas no sítio da sua eleição.
Os espectáculos podem ser marcados por telefone (91 640 99 98), e-mail (vouatuacasa@hotmail.com) ou no blog Vou a tua casa.
Aqui, a 1ª parte de Vou a tua casa.
entre a tua casa – onde estive –, e a minha – onde gostava que pudesses estar –, existe um ponto no meio. um ponto a caminho. no caminho. se me apanhares aí, nesse sítio, poderei então contar-te o segredo, desmascarar tudo, e desmascarar-me. nesse sítio impossível onde é possível respirarmos os dois ao mesmo tempo, quero pertencer ao teu mundo. de forma definitiva e perdida. não interessa o resto. interessa o que eu tiver para te contar, nesse instante, e o que tu quiseres que eu elimine de mim. deitarei fora tanto da minha vida real quanto a tua vontade de ver um espectáculo ditar. e depois será para sempre. até me fartar. até te fartares. e a coisa morrer de acordo com as leis naturais do universo. todas.
Concepção, Textos Originais, Interpretação Rogério Nuno Costa Co-criação Cláudia Jardim, Rogério Nuno Costa, Victor Gonçalves Fotografia Luísa Casella Design F. Ribeiro Vídeo Inês Oliveira Agradecimentos Alaíde Costa, Ana Caessa, Catarina Susano, Gonçalo Pinto, Humberto Mendes, Marina Nabais, Natália Souza, Sofia Ferrão, Tiago Neves, Transforma AC, todos os cúmplices das surpresas de Maio e todas as primeiras cobaias de Setembro Apoios Câmara Municipal de Lisboa – Cultura, Câmara Municipal de Lisboa – Juventude, O Resto
De Novembro 2004 a Fevereiro 2005
Informações e Marcações:
91 640 99 98 / vouatuacasa@hotmail.com / http://vouatuacasa.blogspot.com
maiores de 15 anos . duração 40’ . 5 EUR/espectador
De Novembro 2004 a Fevereiro 2005
Informações e Marcações:
91 640 99 98 / vouatuacasa@hotmail.com / http://vouatuacasa.blogspot.com
maiores de 15 anos . duração 40’ . 5 EUR/espectador
domingo, novembro 21, 2004
Poética do quotidiano (LVI)
Galettes (Waffles)
Ola prima,
Receita: Galettes da avó Etelvina (a minha avó)
ovos
manteiga
farinha
açucar
casca de limão (2 limões para 500gr dos ingredientes)
Bate-se as gemas com o açucar e misturasse a manteiga derretida (nao pode estar quente). Junta-se a farinha mexendo bem, depois envolvem-se as claras batidas em castelo e adiciona-se a raspa de limão.
Deixa-se aquecer bem a maquina e tem q se ter em atencao à quantidade, mais ou menos uma concha.
Nao convem abrir a maquina antes da massa estar solidificada, +/- 1 minuto. Mas isso com a pratica vai lá...
Pronto, é so isto.
As quantidades são as q quiseres, desde q seja o mesmo peso de tudo.
Eu costumo fazer 500 gr. da aproximadamente 25 galettes.
Depois conta como saiu
Beijoca
(Depois de 2 tentativas falhadas, espero que com esta receita corra tudo bem)
Dizem que as novas tecnologias vieram alterar a forma como comunicamos. Às vezes tendem a não funcionar. O prémio de hoje para esta espécie de equilibrio entre a tradição e o futuro. A P., do Nada Quotidiano, volta a receber o prémio. Espera-se que a prima leia o blog dela. :
Galettes (Waffles)
Ola prima,
Receita: Galettes da avó Etelvina (a minha avó)
ovos
manteiga
farinha
açucar
casca de limão (2 limões para 500gr dos ingredientes)
Bate-se as gemas com o açucar e misturasse a manteiga derretida (nao pode estar quente). Junta-se a farinha mexendo bem, depois envolvem-se as claras batidas em castelo e adiciona-se a raspa de limão.
Deixa-se aquecer bem a maquina e tem q se ter em atencao à quantidade, mais ou menos uma concha.
Nao convem abrir a maquina antes da massa estar solidificada, +/- 1 minuto. Mas isso com a pratica vai lá...
Pronto, é so isto.
As quantidades são as q quiseres, desde q seja o mesmo peso de tudo.
Eu costumo fazer 500 gr. da aproximadamente 25 galettes.
Depois conta como saiu
Beijoca
(Depois de 2 tentativas falhadas, espero que com esta receita corra tudo bem)
Do amor e outros erros
Análise ao espectáculo Querosene (" arde sem se ver")
teatromosca
6ª Mostra de Teatro Jovem
Teatro Taborda
20 Novembro
22h00
Análise ao espectáculo Querosene (" arde sem se ver")
teatromosca
6ª Mostra de Teatro Jovem
Teatro Taborda
20 Novembro
22h00
O espectáculo do teatromosca Querosene (" arde sem se ver"), utiliza a estrutura narrativa do pequeno conto auto-biográfico de Ivan Turgueneiv, "Primeiro Amor" (1860) para dar conta dos diversos estados amorosos. Fá-lo de forma interessante utilizando poemas de autores portugueses (1) (quase todos incompreendidos no amor, amargurados com a vida, presos a paixões insolúveis ou incapazes de relacionamentos eficazes), chegando mesmo a substituir a dramaturgia de Turgueneiv por esses poemas. Se isto revela, por um lado, um controlo sobre um trabalho de construção de um texto/espectáculo e manipulação das diversas vozes em torno de um objectivo comum (uma universalização do lamento amoroso), depressa se torna um exercício de estilo que acusa a vontade de apelar a vários públicos e registos.
Pensado para cumprir o calendário e o programa escolar (mas apresentado aqui um contexto de espectáculo para adultos, e nessa medida analisado), Querosene peca por tentar equilibrar esse interessante cruzamento de linguagens (conto e poemas) com um recital de poesia. O problema não está tanto na conteúdo, mas na forma. A gradual contaminação do texto russo pelos poemas portugueses apresenta uma estimulante abordagem ao ciclo amoroso ("encantamento e expectativa, a incerteza angustiante, a consolidação e fidelização do amor, o extâse e a ruptura") e até cumpre as noções de Herbert Blau (2) quanto à adaptação dos clássicos: estes devem sempre servir-se de uma leitura contemporânea; não faz sentido a repetição de usos e costumes já que não ninguém estava lá para comprovar como se fez.
Contudo, o sentido do rigor e até (ousa-se) a ideia de que se possa estar a destruir o sentido original dos poemas, levam a que depois da utilização de um deles em vez do texto de Turgueneiv, os actores o identifiquem. Ou seja, anula-se o efeito de contaminação já que se recusa a universalização de um sentimento. Efectua-se um duplo corte emocional na relação com o espectáculo. O primeiro quando se incluem os poemas, o segundo quando se identificam. E o espectador, que ia caminhando no reconhecimento dos conflictos das personagens de Turgueneiv é assim abandonado numa dramatização dos poemas.
O problema não está, como já se percebeu, nessa dramatização. Basta pensar em exemplos recentes no cinema ("Romeu e Julieta", "Moulin Rouge" de Baz Luhrmann) ou no teatro ("Rua de Sentido Único", de Mónica Calle; "Nocturno Delirante", do Cão Solteiro; "De repente eu...", do Teatro Praga) para compreender que se a intenção é passar uma mensagem de apropriação de universos cúmplices, basta utilizá-los sem o receio de os perverter. As obras de arte são universais, logo de qualquer um. Se o teatromosca procurava educar o público, poderia ter feito distribuir umas folhas com os poemas e autor. Isso acontecer durante o espectáculo soa sempre a desequilíbrio dramatúrgico. Ainda mais se o cenário e adereços são compostos de metáforas e alusões que permitem ao espectador toda e qualquer identificação. Afinal, serve para umas coisas e não serve para outras? O momento em que este anacronismo se torna mais evidente é na sequência da discoteca em que um histriónico (mas devidamente contextualizado) Pedro Mendes (o pai) se atira ferozmente a um poema de Almeida Garrett, "Não te amo não" como técnica de sedução à jovem indecisa. A velocidade e entrega do momento caem por terra quando, ainda em pose, o actor identifica o poema.
Querosene é, contudo, um belo exercício de ode amorosa. A breve e perturbadora história de rivalidade entre um pai e um filho (Pedro Alves) na conquista da mesma mulher (Rute Lizardo) servem de estudo para essa coisa devastadora que é o amor. Espectáculo sexualmente intimidante (o olhar alienado de Pedro Alves é revelador da confusão de sentimentos do jovem Turgueneiv) e austero (uma mesa e duas cadeiras, palco vazio, luzes sombrias e soturnas), oscila entre a procura de uma explicação para o amor e a assunção da fatalidade do mesmo. É, por isso, um enorme novelo de lã agridoce (tal como os que são desfiados durante o espectáculo).
Em suma, Querosene utiliza a convenção teatral e a dimensão generalista das obras dramáticas para dar conta de um estado de espírito. Provavelmente, como em todas as relações muito intensas, a dada altura perdeu o sentido.
(1) Fernado Pessoa/Álvaro de Campos, Luis de Camões, Camilo Pessanha, Almeida Garrett, Alexandre O'Neill, Antero de quental, Mário de Sá Carneiro
(2) Herbert Blau, Theatrer: A Manifesto, New York, 1964
Pensado para cumprir o calendário e o programa escolar (mas apresentado aqui um contexto de espectáculo para adultos, e nessa medida analisado), Querosene peca por tentar equilibrar esse interessante cruzamento de linguagens (conto e poemas) com um recital de poesia. O problema não está tanto na conteúdo, mas na forma. A gradual contaminação do texto russo pelos poemas portugueses apresenta uma estimulante abordagem ao ciclo amoroso ("encantamento e expectativa, a incerteza angustiante, a consolidação e fidelização do amor, o extâse e a ruptura") e até cumpre as noções de Herbert Blau (2) quanto à adaptação dos clássicos: estes devem sempre servir-se de uma leitura contemporânea; não faz sentido a repetição de usos e costumes já que não ninguém estava lá para comprovar como se fez.
Contudo, o sentido do rigor e até (ousa-se) a ideia de que se possa estar a destruir o sentido original dos poemas, levam a que depois da utilização de um deles em vez do texto de Turgueneiv, os actores o identifiquem. Ou seja, anula-se o efeito de contaminação já que se recusa a universalização de um sentimento. Efectua-se um duplo corte emocional na relação com o espectáculo. O primeiro quando se incluem os poemas, o segundo quando se identificam. E o espectador, que ia caminhando no reconhecimento dos conflictos das personagens de Turgueneiv é assim abandonado numa dramatização dos poemas.
O problema não está, como já se percebeu, nessa dramatização. Basta pensar em exemplos recentes no cinema ("Romeu e Julieta", "Moulin Rouge" de Baz Luhrmann) ou no teatro ("Rua de Sentido Único", de Mónica Calle; "Nocturno Delirante", do Cão Solteiro; "De repente eu...", do Teatro Praga) para compreender que se a intenção é passar uma mensagem de apropriação de universos cúmplices, basta utilizá-los sem o receio de os perverter. As obras de arte são universais, logo de qualquer um. Se o teatromosca procurava educar o público, poderia ter feito distribuir umas folhas com os poemas e autor. Isso acontecer durante o espectáculo soa sempre a desequilíbrio dramatúrgico. Ainda mais se o cenário e adereços são compostos de metáforas e alusões que permitem ao espectador toda e qualquer identificação. Afinal, serve para umas coisas e não serve para outras? O momento em que este anacronismo se torna mais evidente é na sequência da discoteca em que um histriónico (mas devidamente contextualizado) Pedro Mendes (o pai) se atira ferozmente a um poema de Almeida Garrett, "Não te amo não" como técnica de sedução à jovem indecisa. A velocidade e entrega do momento caem por terra quando, ainda em pose, o actor identifica o poema.
Querosene é, contudo, um belo exercício de ode amorosa. A breve e perturbadora história de rivalidade entre um pai e um filho (Pedro Alves) na conquista da mesma mulher (Rute Lizardo) servem de estudo para essa coisa devastadora que é o amor. Espectáculo sexualmente intimidante (o olhar alienado de Pedro Alves é revelador da confusão de sentimentos do jovem Turgueneiv) e austero (uma mesa e duas cadeiras, palco vazio, luzes sombrias e soturnas), oscila entre a procura de uma explicação para o amor e a assunção da fatalidade do mesmo. É, por isso, um enorme novelo de lã agridoce (tal como os que são desfiados durante o espectáculo).
Em suma, Querosene utiliza a convenção teatral e a dimensão generalista das obras dramáticas para dar conta de um estado de espírito. Provavelmente, como em todas as relações muito intensas, a dada altura perdeu o sentido.
(1) Fernado Pessoa/Álvaro de Campos, Luis de Camões, Camilo Pessanha, Almeida Garrett, Alexandre O'Neill, Antero de quental, Mário de Sá Carneiro
(2) Herbert Blau, Theatrer: A Manifesto, New York, 1964
6ª Mostra de Teatro Jovem de Lisboa (IV) - Mitos do Universo
Mitos do Universo
Grupo NÓS de Teatro da APPACDM de Lisboa
Teatro Taborda
21 de Novembro
17h
Mitos do Universo leva-nos a viajar no espaço cósmico, onde existem Galáxias infinitas e onde a vida começou.
Continuamos a viajar pelo fundo do mar onde a nossa imaginação nos faz observar sereias encantadas que dançam suavemente para os navegadores.
O Bem contra o Mal. A mitologia da antiga Pérsia ( nome anterior do Irão ) vai fundamentar-se na religião fundada pelo Profeta Zoroastro no séc. VI a.c. Essa religião assenta numa luta cósmica do bem e do mal, entre Ahura Mazda e Ahriman. Nesta história os seres humanos acham-se apanhados num combate entre um criador bom e um destruídor mau. Tema este comum a muitas culturas.
A batalha permanente entre o sábio Ahura Mazda e o cruel Ahriman reflecte-se na paisagem e clima do Irão onde esta história teve origem.
Áridas e inóspitas montanhas contrastam duramente com as zonas costeiras de grande fertilidade.
O Gayomart, primeiro Homen criado por Ahura Mazda, significa em Persa " Vida Moribunda".
Este espírito só tomou forma humana após 3000 anos.No entanto morreu novo, apenas com 30 anos envenenado por Ahriman o malvado gêmeo de Ahura Mazda.
FICHA ARTÍSTICA
I Acto- Coreografia " Cosmos"
Intérpretes Carina Almeida Carina Fumega Filipe Correia Paulo Ricardo Rita Loureiro Victor Pina Luís Carlos Carla Gil
II Acto- Coreografia " Mares "
Intérpretes Carina Fumega Filipe Correia Rita Loureiro Victor Pina Carla Gil Paulo Ricardo
III Acto- Teatro de sombra " Um Paraíso Terrestre "
Intérpretes Alcinda Teixeira- Amor/Filha Ana Margarida- 3º Demónio Ana Filipa- Ahura Mazda Carina Almeida- Morte e Nuvem Carina Fumega- Mashya Carla Gil- 1º Demónio Filipe Correia- Ahriman Luis Carlos-Mashoyoi Maria João Belo- Doente Maria da Luz- Sol Paulo Ricardo- Gayomart e Lua Rita Loureiro-Fome Victor Pina- Estrelas e Trovão
Encenação Emília Pinto Rosa Ferreira Teresa Sêco Coreografias Rosa Ferreira Teresa Sêco Assistentes de Encenação Patrícia Monteiro Rosário de Sá Adereços Luzia Marques Clotilde Trindade Georgina Jorge Rosa Ferreira Vestuário confeccionado pelas famílias dos participantes
Mitos do Universo
Grupo NÓS de Teatro da APPACDM de Lisboa
Teatro Taborda
21 de Novembro
17h
Mitos do Universo leva-nos a viajar no espaço cósmico, onde existem Galáxias infinitas e onde a vida começou.
Continuamos a viajar pelo fundo do mar onde a nossa imaginação nos faz observar sereias encantadas que dançam suavemente para os navegadores.
O Bem contra o Mal. A mitologia da antiga Pérsia ( nome anterior do Irão ) vai fundamentar-se na religião fundada pelo Profeta Zoroastro no séc. VI a.c. Essa religião assenta numa luta cósmica do bem e do mal, entre Ahura Mazda e Ahriman. Nesta história os seres humanos acham-se apanhados num combate entre um criador bom e um destruídor mau. Tema este comum a muitas culturas.
A batalha permanente entre o sábio Ahura Mazda e o cruel Ahriman reflecte-se na paisagem e clima do Irão onde esta história teve origem.
Áridas e inóspitas montanhas contrastam duramente com as zonas costeiras de grande fertilidade.
O Gayomart, primeiro Homen criado por Ahura Mazda, significa em Persa " Vida Moribunda".
Este espírito só tomou forma humana após 3000 anos.No entanto morreu novo, apenas com 30 anos envenenado por Ahriman o malvado gêmeo de Ahura Mazda.
FICHA ARTÍSTICA
I Acto- Coreografia " Cosmos"
Intérpretes Carina Almeida Carina Fumega Filipe Correia Paulo Ricardo Rita Loureiro Victor Pina Luís Carlos Carla Gil
II Acto- Coreografia " Mares "
Intérpretes Carina Fumega Filipe Correia Rita Loureiro Victor Pina Carla Gil Paulo Ricardo
III Acto- Teatro de sombra " Um Paraíso Terrestre "
Intérpretes Alcinda Teixeira- Amor/Filha Ana Margarida- 3º Demónio Ana Filipa- Ahura Mazda Carina Almeida- Morte e Nuvem Carina Fumega- Mashya Carla Gil- 1º Demónio Filipe Correia- Ahriman Luis Carlos-Mashoyoi Maria João Belo- Doente Maria da Luz- Sol Paulo Ricardo- Gayomart e Lua Rita Loureiro-Fome Victor Pina- Estrelas e Trovão
Encenação Emília Pinto Rosa Ferreira Teresa Sêco Coreografias Rosa Ferreira Teresa Sêco Assistentes de Encenação Patrícia Monteiro Rosário de Sá Adereços Luzia Marques Clotilde Trindade Georgina Jorge Rosa Ferreira Vestuário confeccionado pelas famílias dos participantes
O homem-objecto
Análise ao espectáculo POUR HOMME
André Murraças
6ª Mostra de Teatro Jovem de Lisboa
Teatro Taborda
19 Novembro
22h00
Análise ao espectáculo POUR HOMME
André Murraças
6ª Mostra de Teatro Jovem de Lisboa
Teatro Taborda
19 Novembro
22h00
Estreado em Setembro no programa BOX Nova (1), e classificado como espectáculo de dança, a nova proposta de André Murraças (AM), Pour Homme, recusa assumidamente um texto escrito para apostar numa maior concentração no trabalho físico e a utilização primordial do corpo como elemento dramatúrgico. Há, portanto um pretexto corporal. Insere-se, assim, num contexto estético e cultural que cumpre a definição de hibridez utilizada por Cláudia Madeira (2): "[estes espectáculos] destroem a estrutura, o autor, o actor, o texto, a ficção e instituem o processo artístisco como único resultado possível, deixando-o em estado "impuro", muitas vezes à sorte do momento em que é apresentado, intensificando com isso o risco desse mesmo resultado".
Esta espécie de "espectáculo(s)-tese" - que pode(m) ser interpretado(s) à luz de uma resposta contemporânea do "teatro-documento", tão comum nos anos 30 e 70 do século XX -, obriga a uma clarificação do papel do criador face ao espectador. Pode um criador propor-se a uma discussão quando o espectador não procura respostas? E que importância pode assumir essa discussão, quando se utiliza um palco para a realizar? A tendência do espectador será a de aceitar como dado adquirido o que quer que venha a passar-se em palco. Um espectador espera de um criador uma apresentação, um desenvolvimento e uma conclusão. AM dá só os tópicos em discussão. O resto segue depois.
A intenção é discutir/observar o homem a partir de referências históricas, sociais, iconográficas, culturais e sexuais. Contudo, não só o homem que se apresenta existe sem um modelo feminino como ainda assume a posição machista sobre o Criador - o homem feito à imagem de Deus, ele mesmo um homem. Logo, homem e Homem. Pour Homme é um espectáculo de homens para homens, não no sentido gay do termo (é, surpreendentemente heterossexual), mas entre duas frases tipo: "boys will be boys" e "a man's got to do what a man's got to do".
É ainda um espectáculo claramente narcísista, não no sentido pejorativo do termo, mas antes no que isso possa permitir o posicionamento do criador (um homem) no problema que ele mesmo levanta: representação devenu alteridade. Estas são as suas referências, os seus modelos, as suas dúvidas. Confrontando-as com a do espectador, uma nova teoria/um novo espectáculo surgirá. Pour Homme é, assim, uma obra em aberto, em que a vantagem está, curiosamente, do lado do espectador. Este já sabe quais são os alicerces do criador e pode rebatê-los. Ao criador resta-lhe esperar. Para depois se questionar.
Ao falar em referências pessoais, refiro-me ao trabalho de pesquisa que AM desenvolve e exemplifica. As sequências que vai apresentando resultam de um processo de observação/confrontação de modelos, esterótipos, conceitos e definições que mais não são que pré-conceitos em relação ao que se espera/o que é um homem. E é esta posição que atira Pour Homme para um trabalho antropológico mais do que um anedoctário de situações-tipo. Mesmo que seja a partir destas que o espectáculo se desenvolva.
Tomemos como exemplo o momento em que AM se apresenta em diversas poses/instantâneos/perfis masculinos e aposta num intercalar aparentemente descoordenado. No centro do palco, dividido por uma esquadria branca, o autor vai de Jesus Cristo ao Homem-Aranha e deste a Hitler, São Sebastião, Adão, faraó ou cowboy. Estas apresentações, precisamente por serem aparentemente aleatórias, desafiam o espectador a identificar os traços comuns e as diferenças nestes modelos masculinos. Todos são presença e ausência, já que, tendo-se tornado "maiores que a vida" dificilmente poderão ser encontrados na plateia do teatro. Será talvez por isso que os mais conseguidos são os de dificil identificação. Serão nesses que se esconde a razão de ser homem.
No extremo oposto desta "metamorfose" ("todos somos um só") temos o sr. "X" que usa palitos, boceja sem colocar a mão à frente da boca, coça o sexo, dança sem estilo e gaba-se das conquistas. A este, "perfeito nobody", todos reagem com graça, gargalhada fácil e até um certo desdém. Escondendo-se/esquivando-se, muito provavelmente, de uma imediata identificação. É por isso que quando AM entra em cena e, de costas para o público, urina para o chão do palco, o espectador é confrontado com os limites do papel que o homem representa no quotidiano. Que AM apresente este "boneco" logo nos momentos iniciais do espectáculo, é revelador da necessidade de perceber que àquele limite é melhor não voltar.
Joga-se por isso num equilíbrio entre o movimento coreografado e a representação do quotidiano. Ou, se quisermos, numa consciência do acto versus acto irreflectido. Nesta espécie de sombra chinesa em que o espectáculo se desenvolve sente-se, naturalmente, uma forte influência da coreografia e do movimento (ou daquilo que se entende por movimento), o que acaba por criar uma anulação do gesto quotidiano. Tudo se torna performático. É notória a contaminação pelo último espectáculo de Tiago Guedes, Materiais Diversos (2003), numa tentativa de compromisso entre o controlo dos gestos (para permitir a especulação) e a naturalidade dos mesmos (afinal trata-se de trabalhar o estereótipo). O que AM faz não é mais que colocar um espelho à boca de cena, de modo a forçar um duplo processo de identificação que se pode resumir como "Olha-me para que eu te veja". E tal posição pretende recusar a empatia fácil de um espectador que esteja ganho à partida. Vejam-se as reacções à canção desafinada cantada no final do espectáculo. É como se o espectador respirasse de alívio. E daí talvez não.
À pergunta "Como funciona o homem quando posto em palco?", AM propõe um eterno questionar, não porque não tenha já algumas respostas, mas porque seria tipicamente masculino querer impor a sua. E talvez seja essa a ponte para o que se segue (3).
(1) Da responsabilidade do departamento de dança do Centro Cultural de Belém;
(2) Cláudia Madeira, E no céu, de hoje, que nuvens há? in Artinsite n.º1, pp. 102-107, Transforma A.C., Torres Vedras, 2004;
(3) Pour Homme é o primeiro espectáculo de uma trilogia dedicada aos comportamentos masculino e feminino.
Esta espécie de "espectáculo(s)-tese" - que pode(m) ser interpretado(s) à luz de uma resposta contemporânea do "teatro-documento", tão comum nos anos 30 e 70 do século XX -, obriga a uma clarificação do papel do criador face ao espectador. Pode um criador propor-se a uma discussão quando o espectador não procura respostas? E que importância pode assumir essa discussão, quando se utiliza um palco para a realizar? A tendência do espectador será a de aceitar como dado adquirido o que quer que venha a passar-se em palco. Um espectador espera de um criador uma apresentação, um desenvolvimento e uma conclusão. AM dá só os tópicos em discussão. O resto segue depois.
A intenção é discutir/observar o homem a partir de referências históricas, sociais, iconográficas, culturais e sexuais. Contudo, não só o homem que se apresenta existe sem um modelo feminino como ainda assume a posição machista sobre o Criador - o homem feito à imagem de Deus, ele mesmo um homem. Logo, homem e Homem. Pour Homme é um espectáculo de homens para homens, não no sentido gay do termo (é, surpreendentemente heterossexual), mas entre duas frases tipo: "boys will be boys" e "a man's got to do what a man's got to do".
É ainda um espectáculo claramente narcísista, não no sentido pejorativo do termo, mas antes no que isso possa permitir o posicionamento do criador (um homem) no problema que ele mesmo levanta: representação devenu alteridade. Estas são as suas referências, os seus modelos, as suas dúvidas. Confrontando-as com a do espectador, uma nova teoria/um novo espectáculo surgirá. Pour Homme é, assim, uma obra em aberto, em que a vantagem está, curiosamente, do lado do espectador. Este já sabe quais são os alicerces do criador e pode rebatê-los. Ao criador resta-lhe esperar. Para depois se questionar.
Ao falar em referências pessoais, refiro-me ao trabalho de pesquisa que AM desenvolve e exemplifica. As sequências que vai apresentando resultam de um processo de observação/confrontação de modelos, esterótipos, conceitos e definições que mais não são que pré-conceitos em relação ao que se espera/o que é um homem. E é esta posição que atira Pour Homme para um trabalho antropológico mais do que um anedoctário de situações-tipo. Mesmo que seja a partir destas que o espectáculo se desenvolva.
Tomemos como exemplo o momento em que AM se apresenta em diversas poses/instantâneos/perfis masculinos e aposta num intercalar aparentemente descoordenado. No centro do palco, dividido por uma esquadria branca, o autor vai de Jesus Cristo ao Homem-Aranha e deste a Hitler, São Sebastião, Adão, faraó ou cowboy. Estas apresentações, precisamente por serem aparentemente aleatórias, desafiam o espectador a identificar os traços comuns e as diferenças nestes modelos masculinos. Todos são presença e ausência, já que, tendo-se tornado "maiores que a vida" dificilmente poderão ser encontrados na plateia do teatro. Será talvez por isso que os mais conseguidos são os de dificil identificação. Serão nesses que se esconde a razão de ser homem.
No extremo oposto desta "metamorfose" ("todos somos um só") temos o sr. "X" que usa palitos, boceja sem colocar a mão à frente da boca, coça o sexo, dança sem estilo e gaba-se das conquistas. A este, "perfeito nobody", todos reagem com graça, gargalhada fácil e até um certo desdém. Escondendo-se/esquivando-se, muito provavelmente, de uma imediata identificação. É por isso que quando AM entra em cena e, de costas para o público, urina para o chão do palco, o espectador é confrontado com os limites do papel que o homem representa no quotidiano. Que AM apresente este "boneco" logo nos momentos iniciais do espectáculo, é revelador da necessidade de perceber que àquele limite é melhor não voltar.
Joga-se por isso num equilíbrio entre o movimento coreografado e a representação do quotidiano. Ou, se quisermos, numa consciência do acto versus acto irreflectido. Nesta espécie de sombra chinesa em que o espectáculo se desenvolve sente-se, naturalmente, uma forte influência da coreografia e do movimento (ou daquilo que se entende por movimento), o que acaba por criar uma anulação do gesto quotidiano. Tudo se torna performático. É notória a contaminação pelo último espectáculo de Tiago Guedes, Materiais Diversos (2003), numa tentativa de compromisso entre o controlo dos gestos (para permitir a especulação) e a naturalidade dos mesmos (afinal trata-se de trabalhar o estereótipo). O que AM faz não é mais que colocar um espelho à boca de cena, de modo a forçar um duplo processo de identificação que se pode resumir como "Olha-me para que eu te veja". E tal posição pretende recusar a empatia fácil de um espectador que esteja ganho à partida. Vejam-se as reacções à canção desafinada cantada no final do espectáculo. É como se o espectador respirasse de alívio. E daí talvez não.
À pergunta "Como funciona o homem quando posto em palco?", AM propõe um eterno questionar, não porque não tenha já algumas respostas, mas porque seria tipicamente masculino querer impor a sua. E talvez seja essa a ponte para o que se segue (3).
(1) Da responsabilidade do departamento de dança do Centro Cultural de Belém;
(2) Cláudia Madeira, E no céu, de hoje, que nuvens há? in Artinsite n.º1, pp. 102-107, Transforma A.C., Torres Vedras, 2004;
(3) Pour Homme é o primeiro espectáculo de uma trilogia dedicada aos comportamentos masculino e feminino.
sábado, novembro 20, 2004
Arrumações
E a dada altura do processo de instalação em casa nova, aparecem os caixotes com os afectos e o passado armazenado. Reunir, confrontar, remexer, ordenar, rearrumar. Para que tudo fique na mesma. O passado guarda-se em caixas, há espera de dias melhores. Esses dias em que já nem nos lembramos do que lá está dentro. O feng-shui diz que não devemos guardar coisas mortas dentro de casa. Mas e quando essas coisas mortas são o nosso passado? Será isso deitar fora parte de nós?
DIREITO AO PRAZER
Hoje à noite, no Jornal da Noite da SIC, passa uma reportagem impressionante da autoria da jornalista Catarina Neves acerca da vida sexual das pessoas portadoras de deficiências mentais ou físicas. Chama-se DIREITO AO PRAZER. Com testemunhos emocionados, promete colocar o dedo na ferida, sem cedências à gratuicidade e ao politicamente correcto.
Direito ao Prazer
A sexualidade e a afectividade das pessoas com deficiência na Reportagem SIC-Visão deste sábado
Depender de uma cadeira de rodas. Não controlar os movimentos. Falar com dificuldade. Ver o corpo a crescer enquanto a razão fica esquecida. A deficiência pode ser mental ou física. A sexualidade atravessa estes dois mundos, mas nem sempre o direito ao prazer está garantido.
Seis pessoas portadoras de deficiência mostram como a vontade de ter uma relação é tão forte e importante como para qualquer outro homem ou mulher.
Nuno Reis tem uma deficiência motora que resultou de um acidente de viação, há nove anos. Depois de três meses em coma profundo, Nuno Reis acordou para um corpo diferente. Garante que foi como renascer. Está casado há mais de um ano com uma mulher sem deficiência. A festa fez-se em cima do tabuleiro da Ponte 25 de Abril, no dia da mini-maratona de Lisboa.
A paralesia cerebral impede a autonomia, diminui a capacidade de comunicação, limita a concretização de desejos. João Pombeiro nasceu com paralesia cerebral. Aos 43 anos, João quer ter uma relação sexual, quer "experimentar", como costuma dizer. Por isso, pede a legalização da prostituição. Talvez assim fosse mais fácil encontrar alguém preparado para partilhar a intimidade com uma pessoa com deficiência, mesmo quando o encontro de necessidades dura breves minutos.
Manuel Baltazar também nasceu com paralesia cerebral. Mas, ao contrário de João Pombeiro, Manuel é casado. O amor chegou via internet. Klara Stelzer, 42 anos, dois filhos do primeiro casamento, veio do Brasil para se juntar a um homem com deficiência.
Gostar de alguém e casar é o grande plano da vida de Eunice Marques. Adora conversar, sabe os nomes dos ministros e as últimas notícias do país mas não é capaz, por exemplo, de tratar duma casa sozinha ou escolher roupa para vestir. Tem uma deficiência mental moderada e uma certeza: ter relações sexuais só depois de casar.
A trissomia 21, também conhecido por mongolísmo ou síndrome de down, é uma deficiência mental que afecta uma em cada 700 crianças em todo o mundo.
Teresa Palha tem 18 anos. Sabe que a trissomia 21 a torna diferente da maioria das adolescentes. Teresa gostava de ter um namorado sem trissomia 21 até porque se considera uma mulher bonita.
Para quem chega aos 22 anos e perde a mobilidade e a sensibilidade nas pernas, resta a força que permite a adaptação a uma nova forma de estar. Carlos Costa foi atingido por uma mina, na guerra, em Angola. Ficou agarrado a uma cama. Aos poucos começou a recuperar e a descobrir uma nova forma de sentir prazer e, mais do que tudo, de dar prazer aos outros.
Nuno, João, Eunice, Carlos, Manuel, Teresa. Os escolhidos à força para integrar um mundo diferente, disforme, deficiente mas com direito ao prazer.
Direito ao prazer
Jornalista - Catarina Neves; Imagem - Manuel Chaves; Edição de Imagem - Marco Neiva; Produção Editorial - Graça Costa Pereira; Grafismo - Paulo Alves; Coordenação - Cândida Pinto
Hoje à noite, no Jornal da Noite da SIC, passa uma reportagem impressionante da autoria da jornalista Catarina Neves acerca da vida sexual das pessoas portadoras de deficiências mentais ou físicas. Chama-se DIREITO AO PRAZER. Com testemunhos emocionados, promete colocar o dedo na ferida, sem cedências à gratuicidade e ao politicamente correcto.
Direito ao Prazer
A sexualidade e a afectividade das pessoas com deficiência na Reportagem SIC-Visão deste sábado
Depender de uma cadeira de rodas. Não controlar os movimentos. Falar com dificuldade. Ver o corpo a crescer enquanto a razão fica esquecida. A deficiência pode ser mental ou física. A sexualidade atravessa estes dois mundos, mas nem sempre o direito ao prazer está garantido.
Seis pessoas portadoras de deficiência mostram como a vontade de ter uma relação é tão forte e importante como para qualquer outro homem ou mulher.
Nuno Reis tem uma deficiência motora que resultou de um acidente de viação, há nove anos. Depois de três meses em coma profundo, Nuno Reis acordou para um corpo diferente. Garante que foi como renascer. Está casado há mais de um ano com uma mulher sem deficiência. A festa fez-se em cima do tabuleiro da Ponte 25 de Abril, no dia da mini-maratona de Lisboa.
A paralesia cerebral impede a autonomia, diminui a capacidade de comunicação, limita a concretização de desejos. João Pombeiro nasceu com paralesia cerebral. Aos 43 anos, João quer ter uma relação sexual, quer "experimentar", como costuma dizer. Por isso, pede a legalização da prostituição. Talvez assim fosse mais fácil encontrar alguém preparado para partilhar a intimidade com uma pessoa com deficiência, mesmo quando o encontro de necessidades dura breves minutos.
Manuel Baltazar também nasceu com paralesia cerebral. Mas, ao contrário de João Pombeiro, Manuel é casado. O amor chegou via internet. Klara Stelzer, 42 anos, dois filhos do primeiro casamento, veio do Brasil para se juntar a um homem com deficiência.
Gostar de alguém e casar é o grande plano da vida de Eunice Marques. Adora conversar, sabe os nomes dos ministros e as últimas notícias do país mas não é capaz, por exemplo, de tratar duma casa sozinha ou escolher roupa para vestir. Tem uma deficiência mental moderada e uma certeza: ter relações sexuais só depois de casar.
A trissomia 21, também conhecido por mongolísmo ou síndrome de down, é uma deficiência mental que afecta uma em cada 700 crianças em todo o mundo.
Teresa Palha tem 18 anos. Sabe que a trissomia 21 a torna diferente da maioria das adolescentes. Teresa gostava de ter um namorado sem trissomia 21 até porque se considera uma mulher bonita.
Para quem chega aos 22 anos e perde a mobilidade e a sensibilidade nas pernas, resta a força que permite a adaptação a uma nova forma de estar. Carlos Costa foi atingido por uma mina, na guerra, em Angola. Ficou agarrado a uma cama. Aos poucos começou a recuperar e a descobrir uma nova forma de sentir prazer e, mais do que tudo, de dar prazer aos outros.
Nuno, João, Eunice, Carlos, Manuel, Teresa. Os escolhidos à força para integrar um mundo diferente, disforme, deficiente mas com direito ao prazer.
Direito ao prazer
Jornalista - Catarina Neves; Imagem - Manuel Chaves; Edição de Imagem - Marco Neiva; Produção Editorial - Graça Costa Pereira; Grafismo - Paulo Alves; Coordenação - Cândida Pinto
Poética do quotidiano (LV)
O prémio de hoje vai (outra vez!) para as mãos do Bruno do Avatares de um desejo, para mim eterno questionador das poéticas deste quotidiano. Hoje quer saber da razão de ser da expressão de uns e do incómodo de outros. A preguiça, pelo Bruno.
Subversões quotidianas
Há regras sociais muito estúpidas. Até alguém me explicar de modo convincente a existência de uma regra social que desqualifica aqueles que se esperguiçam em público, fa-lo-ei despurada e ostensivamente. A exibição da preguiça é condenada numa sociedade em que reiteradamente devemos mostar-nos activos e produtivos. Será por isso? Não me serve; até porque quando nos esperguiçamos estamos sobretudo a descomprimir o corpo. E descomprimir é preciso num contexto cultural sem know how para meditações budistas - eu lá vou compensando essa falha com um banho de imersão de quando em quando. Contra a vil opressão de regras arbitrárias, esperguicemo-nos com gosto, em todos os lugares!
O prémio de hoje vai (outra vez!) para as mãos do Bruno do Avatares de um desejo, para mim eterno questionador das poéticas deste quotidiano. Hoje quer saber da razão de ser da expressão de uns e do incómodo de outros. A preguiça, pelo Bruno.
Subversões quotidianas
Há regras sociais muito estúpidas. Até alguém me explicar de modo convincente a existência de uma regra social que desqualifica aqueles que se esperguiçam em público, fa-lo-ei despurada e ostensivamente. A exibição da preguiça é condenada numa sociedade em que reiteradamente devemos mostar-nos activos e produtivos. Será por isso? Não me serve; até porque quando nos esperguiçamos estamos sobretudo a descomprimir o corpo. E descomprimir é preciso num contexto cultural sem know how para meditações budistas - eu lá vou compensando essa falha com um banho de imersão de quando em quando. Contra a vil opressão de regras arbitrárias, esperguicemo-nos com gosto, em todos os lugares!
6ª Mostra de Teatro Jovem de Lisboa (III) - QUEROSENE ("arde sem se ver")
QUEROSENE ("arde sem se ver")
teatromosca
Teatro Taborda
20 Novembro
22h
A problemática do amor é um dos mais prolíferos temas que, ainda hoje, é exaltado nas mais variadas formas. Para a escolha deste tema contribuiu o que julgamos ser a afinidade natural que mantém com a experiência de vida do adolescente. Em simultâneo, percorre transversalmente os programas escolares do ensino secundário, a cujo universo se destina este espectáculo. Nele, são encenados e interpretados poemas de autores constantes nos programas curriculares. O propósito destas sessões de poesia é suscitar no público juvenil, o valor e o interesse pela literatura como representação simbólica da sua vivência.
O espectáculo evolui através do que podemos chamar etapas ou fases do processo amoroso. A selecção e alinhamento dos textos ilustra esta evolução. Partir-se-á do envolvimento inicial com o objecto amado, nas suas fases de encantamento e expectativa, a incerteza angustiante, a consolidação e fidelização do amor, o extâse e a ruptura. O processo de inflamação de Querosene serve de tradução metafórica dessas várias fases.
"Querosene…" é uma peça narrativa, a partir da novela "Primeiro Amor" de Ivan Turgenev, que assume a forma de um pequeno conto, intercedido com poemas, onde a relação restaurada da memória com a voz de uma personagem evoca a inocência e a consciência da natureza de o "primeiro amor".
a partir da novela "Primeiro Amor", de Ivan Tugenev, com poemas de vários autores portugueses direcção artística João Miguel Rodrigues interpretação Pedro Alves, Rute Lizardo e Pedro Mendes cenografia Vera Midões sonoplastia Carlos Arroja fotografia António Rodrigues design gráfico Heitor Fonseca e João Miguel Rodrigues operação de som e luz Paulo Cunha direcção de produção Pedro Alves produção teatromosca
O Melhor Anjo (OMA): Porque decidiram apresentar a proposta de apresentação do espectáculo à MostraTE? Contributo para uma montra do novo teatro feito na capital ou bolsa de ar para a produção de projectos?
teatromosca (tm): Apresentamos espectáculos na MostraTE pelo terceiro ano consecutivo. Acreditamos que a MostraTE é, de facto, "uma montra do novo teatro feito na capital" e que dá espaço à apresentação de novos grupos e, através de um apoio financeiro, ajuda à consolidação destas estruturas.
OMA: Como contextualizam/posicionam o vosso espectáculo no panorama teatral português? Foi essa uma preocupação quando o produziram?
tm: O espectáculo que, este ano, decidimos apresentar na MostraTE, "Querosene («arde sem se ver»)", é constituído por poemas constantes dos programas escolares do ensino secundário. A temática do espectáculo - "o primeiro amor", tem uma afinidade natural com a vida dos jovens. Pretendemos também, com este espectáculo, suscitar no público juvenil o interesse pela literatura como representação simbólica da sua vivência.
OMA: Que relação se estabelece com o público numa apresentação isolada?
tm: A relação que se estabelece com o "novo espectador" que vai assistir pela primeira vez a um espectáculo de determinado grupo numa apresentação isolada ou numa carreira de espectáculos é exactamente a mesma. Dependendo das características do evento em que é feita essa apresentação isolada, os grupos poderão, porventura, atingir novos públicos.
QUEROSENE ("arde sem se ver")
teatromosca
Teatro Taborda
20 Novembro
22h
A problemática do amor é um dos mais prolíferos temas que, ainda hoje, é exaltado nas mais variadas formas. Para a escolha deste tema contribuiu o que julgamos ser a afinidade natural que mantém com a experiência de vida do adolescente. Em simultâneo, percorre transversalmente os programas escolares do ensino secundário, a cujo universo se destina este espectáculo. Nele, são encenados e interpretados poemas de autores constantes nos programas curriculares. O propósito destas sessões de poesia é suscitar no público juvenil, o valor e o interesse pela literatura como representação simbólica da sua vivência.
O espectáculo evolui através do que podemos chamar etapas ou fases do processo amoroso. A selecção e alinhamento dos textos ilustra esta evolução. Partir-se-á do envolvimento inicial com o objecto amado, nas suas fases de encantamento e expectativa, a incerteza angustiante, a consolidação e fidelização do amor, o extâse e a ruptura. O processo de inflamação de Querosene serve de tradução metafórica dessas várias fases.
"Querosene…" é uma peça narrativa, a partir da novela "Primeiro Amor" de Ivan Turgenev, que assume a forma de um pequeno conto, intercedido com poemas, onde a relação restaurada da memória com a voz de uma personagem evoca a inocência e a consciência da natureza de o "primeiro amor".
a partir da novela "Primeiro Amor", de Ivan Tugenev, com poemas de vários autores portugueses direcção artística João Miguel Rodrigues interpretação Pedro Alves, Rute Lizardo e Pedro Mendes cenografia Vera Midões sonoplastia Carlos Arroja fotografia António Rodrigues design gráfico Heitor Fonseca e João Miguel Rodrigues operação de som e luz Paulo Cunha direcção de produção Pedro Alves produção teatromosca
O Melhor Anjo (OMA): Porque decidiram apresentar a proposta de apresentação do espectáculo à MostraTE? Contributo para uma montra do novo teatro feito na capital ou bolsa de ar para a produção de projectos?
teatromosca (tm): Apresentamos espectáculos na MostraTE pelo terceiro ano consecutivo. Acreditamos que a MostraTE é, de facto, "uma montra do novo teatro feito na capital" e que dá espaço à apresentação de novos grupos e, através de um apoio financeiro, ajuda à consolidação destas estruturas.
OMA: Como contextualizam/posicionam o vosso espectáculo no panorama teatral português? Foi essa uma preocupação quando o produziram?
tm: O espectáculo que, este ano, decidimos apresentar na MostraTE, "Querosene («arde sem se ver»)", é constituído por poemas constantes dos programas escolares do ensino secundário. A temática do espectáculo - "o primeiro amor", tem uma afinidade natural com a vida dos jovens. Pretendemos também, com este espectáculo, suscitar no público juvenil o interesse pela literatura como representação simbólica da sua vivência.
OMA: Que relação se estabelece com o público numa apresentação isolada?
tm: A relação que se estabelece com o "novo espectador" que vai assistir pela primeira vez a um espectáculo de determinado grupo numa apresentação isolada ou numa carreira de espectáculos é exactamente a mesma. Dependendo das características do evento em que é feita essa apresentação isolada, os grupos poderão, porventura, atingir novos públicos.
As coisas más acontecem
Análise ao espectáculo TartNoir
Associação Cultural e Recreativa Hipócritas
6ª Mostra de Teatro Jovem de Lisboa - MostraTE
Teatro Taborda
18 Novembro 2004
22h00
Na proposta da Associação Cultural e Recreativa Hipócritas, há mulheres que vestem sapatos vermelhos e matam; há outras mulheres que ouvem histórias sem saber se as estão a viver; há homens e mulheres que se atravessaram no caminho das pessoas (das mulheres!) erradas. TARTNOIR é um espectáculo que pode ser lido como um manual de sobrevivência para mulheres em situações difíceis. TARTNOIR está do lado das suas personagens, porque «as coisas más acontecem». TARTNOIR pode funcionar como aviso para quem o vê. TARTNOIR não perdoa. Porque isso era deixar as coisas como estão.
Adaptando um conjunto de contos, segundo as autoras, neo-feministas, e editado em 2000, este espectáculo tenta seguir à risca o princípio imposto pelas autoras do livro, Stella Duffy e Lauren Hendersen: «We asked the authors to 'push themselves' - to go for something nastier or sexier or funnier or darker. We wanted them to write a story that perhaps their own editor wouldn't usually let them get away with, just as long as it fell into the tart noir remit: maybe comedic, maybe violent, maybe sexual, definitely new-woman, neo-feminist, strong, smart and sharp. With not a dippy heroine walking into a dark cellar in sight. Not a lot of brave bloke heroes saving the day on the final page either.» Digo "tenta" porque as fragilidades desta proposta não estão no conteúdo ou na forma mas no modo como se articulam as fragilidades de um grupo amador e o poder dos objectos que manipulam.
Com uma energia e uma entrega alucinantes, TARTNOIR é, contudo, atropelado pela ingenuidade de alguns dos intérpretes. Mesmo que se perceba que lhes falta a experiência e a vontade de fazer seja maior que a forma de o fazer. TARTNOIR é, por isso, um espectáculo que em vez de ingénuo (ninguém o pode ser com um texto deste) é crente. São notórias as dificuldades de fazer aguentar a força do texto e das suas implicações. Não se pode dizer que não o consigam. Mas não chega. O anacronismo é demasiado óbvio. O exemplo mais forte reside nos apontamentos cómicos que acentuam essas fragilidades (perfeitamente compreensíveis, obviamente) das interpretações em vez de ajudarem ao equilíbrio da estimulante estrutura dramatúrgica/encenação.
Composto de 4 histórias e um epílogo (ou o que no final se revela a possibilidade de ser uma só história), TARTNOIR apresenta-se como um exercício de experimentação em torno do poder do feminino. Ainda que, por vezes, essa demonstração apareça com os mesmos contornos/clichés a que já nos habituámos. Culpa, crê-se, não da companhia, mas do próprio texto. As protagonistas das histórias são estereótipos femininos (a advogada devenu lésbica por causa de uma cliente sedutora, a interesseira/distraída/puta, a louca/demente passional, a velha/mal-amada, a polícia que se passa por forte mas leva o trabalho para casa) que, a certa altura, parecem responder a uma definição surgida no espectáculo: «vacas gordas que não conseguiram arranjar homem». É através das suas dificuldades (contadas em flasback à agente da polícia) que vemos o desenrolar de um trabalho sobre o estereótipo, por vezes bem trabalhado (o cruzamento de sequências), outras vezes nem tanto (cenas em formato de telejornal e entradas abusivas de figurantes). Há uma certa confusão entre o anedótico e o absurdo. E isso, num espectáculo que sendo frágil, se apresenta perante uma plateia à partida ganha, só tende a correr a desfavor para os participantes.
Não estamos assim tão distantes do universo de Patricia Highsmith, pleno de non-sense e misantropia. Há até um certo desprezo pelo futuro. O que importa é a remoção imediata do problema. E é nessa rede de referências (pessoais, culturais, sociais) que TARTNOIR aposta. Há uma tentativa de trabalhar o "boneco" de forma a apresentá-lo o mais abrangente possível. Talvez possa parecer pura especulação (num grupo de teatro amador, Hipócritas dixit, a semiótica interessa pouco), mas o facto das assassinas usarem sapatos vermelhos não me parece a despropósito. Poderia até ser uma forma de exposição do ciclo natural da mulher e de relação com o Diabo.
Esta variação/revisitação do poder no feminino está longe de acrescentar algo de estimulante à eterna e irresolúvel questão de conflicto homem/mulher. Contudo, a forma inteligente em que se contruiu a adaptação associada à generosidade que se encontra em grupos descomprometidos com os códigos rígidos e profissionais do teatro, apresenta TARTNOIR como um passo à frente nas, em muitos casos, enfadonhas e repetitivas apostas dos grupos amadores/académicos e afins...
Não tendo prometido génio, TARTNOIR é um divertimento joco-sério. E, sobretudo, honesto. Mesmo que as personagens mintam com quantos dentes têm.
Análise ao espectáculo TartNoir
Associação Cultural e Recreativa Hipócritas
6ª Mostra de Teatro Jovem de Lisboa - MostraTE
Teatro Taborda
18 Novembro 2004
22h00
Na proposta da Associação Cultural e Recreativa Hipócritas, há mulheres que vestem sapatos vermelhos e matam; há outras mulheres que ouvem histórias sem saber se as estão a viver; há homens e mulheres que se atravessaram no caminho das pessoas (das mulheres!) erradas. TARTNOIR é um espectáculo que pode ser lido como um manual de sobrevivência para mulheres em situações difíceis. TARTNOIR está do lado das suas personagens, porque «as coisas más acontecem». TARTNOIR pode funcionar como aviso para quem o vê. TARTNOIR não perdoa. Porque isso era deixar as coisas como estão.
Adaptando um conjunto de contos, segundo as autoras, neo-feministas, e editado em 2000, este espectáculo tenta seguir à risca o princípio imposto pelas autoras do livro, Stella Duffy e Lauren Hendersen: «We asked the authors to 'push themselves' - to go for something nastier or sexier or funnier or darker. We wanted them to write a story that perhaps their own editor wouldn't usually let them get away with, just as long as it fell into the tart noir remit: maybe comedic, maybe violent, maybe sexual, definitely new-woman, neo-feminist, strong, smart and sharp. With not a dippy heroine walking into a dark cellar in sight. Not a lot of brave bloke heroes saving the day on the final page either.» Digo "tenta" porque as fragilidades desta proposta não estão no conteúdo ou na forma mas no modo como se articulam as fragilidades de um grupo amador e o poder dos objectos que manipulam.
Com uma energia e uma entrega alucinantes, TARTNOIR é, contudo, atropelado pela ingenuidade de alguns dos intérpretes. Mesmo que se perceba que lhes falta a experiência e a vontade de fazer seja maior que a forma de o fazer. TARTNOIR é, por isso, um espectáculo que em vez de ingénuo (ninguém o pode ser com um texto deste) é crente. São notórias as dificuldades de fazer aguentar a força do texto e das suas implicações. Não se pode dizer que não o consigam. Mas não chega. O anacronismo é demasiado óbvio. O exemplo mais forte reside nos apontamentos cómicos que acentuam essas fragilidades (perfeitamente compreensíveis, obviamente) das interpretações em vez de ajudarem ao equilíbrio da estimulante estrutura dramatúrgica/encenação.
Composto de 4 histórias e um epílogo (ou o que no final se revela a possibilidade de ser uma só história), TARTNOIR apresenta-se como um exercício de experimentação em torno do poder do feminino. Ainda que, por vezes, essa demonstração apareça com os mesmos contornos/clichés a que já nos habituámos. Culpa, crê-se, não da companhia, mas do próprio texto. As protagonistas das histórias são estereótipos femininos (a advogada devenu lésbica por causa de uma cliente sedutora, a interesseira/distraída/puta, a louca/demente passional, a velha/mal-amada, a polícia que se passa por forte mas leva o trabalho para casa) que, a certa altura, parecem responder a uma definição surgida no espectáculo: «vacas gordas que não conseguiram arranjar homem». É através das suas dificuldades (contadas em flasback à agente da polícia) que vemos o desenrolar de um trabalho sobre o estereótipo, por vezes bem trabalhado (o cruzamento de sequências), outras vezes nem tanto (cenas em formato de telejornal e entradas abusivas de figurantes). Há uma certa confusão entre o anedótico e o absurdo. E isso, num espectáculo que sendo frágil, se apresenta perante uma plateia à partida ganha, só tende a correr a desfavor para os participantes.
Não estamos assim tão distantes do universo de Patricia Highsmith, pleno de non-sense e misantropia. Há até um certo desprezo pelo futuro. O que importa é a remoção imediata do problema. E é nessa rede de referências (pessoais, culturais, sociais) que TARTNOIR aposta. Há uma tentativa de trabalhar o "boneco" de forma a apresentá-lo o mais abrangente possível. Talvez possa parecer pura especulação (num grupo de teatro amador, Hipócritas dixit, a semiótica interessa pouco), mas o facto das assassinas usarem sapatos vermelhos não me parece a despropósito. Poderia até ser uma forma de exposição do ciclo natural da mulher e de relação com o Diabo.
Esta variação/revisitação do poder no feminino está longe de acrescentar algo de estimulante à eterna e irresolúvel questão de conflicto homem/mulher. Contudo, a forma inteligente em que se contruiu a adaptação associada à generosidade que se encontra em grupos descomprometidos com os códigos rígidos e profissionais do teatro, apresenta TARTNOIR como um passo à frente nas, em muitos casos, enfadonhas e repetitivas apostas dos grupos amadores/académicos e afins...
Não tendo prometido génio, TARTNOIR é um divertimento joco-sério. E, sobretudo, honesto. Mesmo que as personagens mintam com quantos dentes têm.
sexta-feira, novembro 19, 2004
O que se anda a ler
The Line of Beauty
ALAN HOLLINGHURST
MAN BOOKER PRIZE 2004
à venda na FNAC de Sta. Catarina (Porto) a 12 ou 19 €, conforme a edição seja de bolso ou não. Se perguntarem nas FNAC's de Lisboa, vão dizer que ninguém tem. Mas a verdade é que está ali para eu ler.
Aqui, a discussão em torno das questões que o livro levantou e como os blogs a trataram.
ALAN HOLLINGHURST
MAN BOOKER PRIZE 2004
à venda na FNAC de Sta. Catarina (Porto) a 12 ou 19 €, conforme a edição seja de bolso ou não. Se perguntarem nas FNAC's de Lisboa, vão dizer que ninguém tem. Mas a verdade é que está ali para eu ler.
Aqui, a discussão em torno das questões que o livro levantou e como os blogs a trataram.
Estamos Agora Sós - Estreia
Estreou ontem, na Casa dos dias da Água, a nova encenação de André Amálio, ESTAMOS AGORA SÓS. Trata-se de uma adaptação do texto Quarteto, de Heiner Muller, que por sua vez se trabalha Chordelos de Laclos e as suas Ligações Perigosas. A ver, até dia 24 Novembro, sempre às 22h00.
Com o texto Quarteto como pano de fundo, o espectáculo questiona a luta do indíviduo entre a sua persona social e a sua essência, entre o que sente, o que pensa e o que faz. Este jogo interior dá lugar a uma intensa luta entre os dois personagens, em que o amor deles é palco de uma guerra para a glória do mais forte, num mundo onde os sentimentos verdadeiros são escondidos e asfixiados por uma máscara de pedra, talhada pelo tempo para se transformar em jazigo eterno, Valmont acaba derrotado e assassinado por Merteuil, 'O amor é forte como a morte'.
Heiner Muller procura no seu teatro estabelecer pontes entre as concepções teatrais de Brecht e Artaud, criando uma escrita onde a palavra ganha um valor de autonomia poética/politica e os textos um reflexão e uma actualidade vista macroscopicamente aos olhos da História. O texto, elaborado em 1980, remete-nos para a relação entre os dois sexos e a sua luta pelo poder. Merteuil e Valmont, o casal desencadeador da sedução e da máscara da falsidade, envolvem-se num jogo de sedução e de violência psicológica, numa disputa e num medir de forças que atinge o seu climax num confronto quase animal entre macho e fêmea.
Estas personagens, inflamadas pelos ideais libertinos do Marquês de Sade, afastam-se totalmente de quaisquer valores éticos e morais, das noções de bem e de mal. São guiados apenas pelo desejo egoista e pela força dos instintos primitivos, num jogo perigoso e envolvente que termina com a própria morte de Valmont e a sobrevivência derradeira de Merteuil.
Encenação: André Amálio Movimento: Joana Furtado Cenografia: Pedro Silva Interpretação: André Amálio e Joana Furtado Produção: Eduardo Street Co-Produção: "Casa d'Os Dias da Água" Som: André Tente Desenho de Luz: Luis Fernandes Grafismo: João Costa e Luis M. Montagem Cenográfica e Serralharia: Miguel Covas
LOCAL: Casa d'Os Dias D'Água - Rua D. Estefânia, n.º 175 - Lisboa
DATAS: Todos os dias de 18 a 24 de Novembro
HORÁRIO: 22H
INFORMAÇÕES: Eduardo Street - tm. 963955823
RESERVAS: 21 3140352 ou 21 3520259
Estreou ontem, na Casa dos dias da Água, a nova encenação de André Amálio, ESTAMOS AGORA SÓS. Trata-se de uma adaptação do texto Quarteto, de Heiner Muller, que por sua vez se trabalha Chordelos de Laclos e as suas Ligações Perigosas. A ver, até dia 24 Novembro, sempre às 22h00.
Com o texto Quarteto como pano de fundo, o espectáculo questiona a luta do indíviduo entre a sua persona social e a sua essência, entre o que sente, o que pensa e o que faz. Este jogo interior dá lugar a uma intensa luta entre os dois personagens, em que o amor deles é palco de uma guerra para a glória do mais forte, num mundo onde os sentimentos verdadeiros são escondidos e asfixiados por uma máscara de pedra, talhada pelo tempo para se transformar em jazigo eterno, Valmont acaba derrotado e assassinado por Merteuil, 'O amor é forte como a morte'.
Heiner Muller procura no seu teatro estabelecer pontes entre as concepções teatrais de Brecht e Artaud, criando uma escrita onde a palavra ganha um valor de autonomia poética/politica e os textos um reflexão e uma actualidade vista macroscopicamente aos olhos da História. O texto, elaborado em 1980, remete-nos para a relação entre os dois sexos e a sua luta pelo poder. Merteuil e Valmont, o casal desencadeador da sedução e da máscara da falsidade, envolvem-se num jogo de sedução e de violência psicológica, numa disputa e num medir de forças que atinge o seu climax num confronto quase animal entre macho e fêmea.
Estas personagens, inflamadas pelos ideais libertinos do Marquês de Sade, afastam-se totalmente de quaisquer valores éticos e morais, das noções de bem e de mal. São guiados apenas pelo desejo egoista e pela força dos instintos primitivos, num jogo perigoso e envolvente que termina com a própria morte de Valmont e a sobrevivência derradeira de Merteuil.
Encenação: André Amálio Movimento: Joana Furtado Cenografia: Pedro Silva Interpretação: André Amálio e Joana Furtado Produção: Eduardo Street Co-Produção: "Casa d'Os Dias da Água" Som: André Tente Desenho de Luz: Luis Fernandes Grafismo: João Costa e Luis M. Montagem Cenográfica e Serralharia: Miguel Covas
LOCAL: Casa d'Os Dias D'Água - Rua D. Estefânia, n.º 175 - Lisboa
DATAS: Todos os dias de 18 a 24 de Novembro
HORÁRIO: 22H
INFORMAÇÕES: Eduardo Street - tm. 963955823
RESERVAS: 21 3140352 ou 21 3520259
6ª Mostra de Teatro Jovem de Lisboa (II) - POUR HOMME
POUR HOMME
André Murraças
Teatro Taborda
19 Novembro
22h00
POUR HOMME é um percurso pelas representações do corpo masculino na História da Arte, publicidade e vida quotidiana. Através da recuperação de maneirismos, tiques, poses, posições masculinas, e do quanto a imagem pode ser um reflexo cultural da sociedade - o espectáculo resulta da busca de uma performatividade dessas imagens para a cena. Essa colheita do corpo representado na imagem e em sociedade, ganha uma nova fisicalidade na sua transposição para o palco. Bem como novas representações e interpretações do conceito de masculinidade.
Em palco, André Murraças - o único intérprete - vai imitando posses que tornaram famosos: Elvis, Jesus Cristo, James Dean, Hitler, James Bond, entre outras intervenientes da História e das artes. Ao mesmo tempo, são infiltradas no decurso do espectáculo, poses culturalmente associadas ao género masculino. Como, por exemplo, o toureiro, o ginasta, o polícia ou mesmo o simples gesto de barbear.
POUR HOMME vai roubar o seu título às embalagens de perfume masculinas. Até há alguns anos culturalmente imposto como um objecto de adorno e uso femininos, o aparecimento de produtos para homem veio colado a uma forte e saliente campanha de nomeação, para o caso de alguém mais antiquado os confundir com produtos femininos. O título interessa ao projecto porque reforça, com ironia, alguns temas sobre os quais se pretende reflectir: os limites e excessos da masculinidade, o desnorteamento das imagens quando retiradas do seu enquadramento histórico, o poder da publicidade, a busca de um símbolo (neste caso, o corpo do intérprete) que seja o intermediário entre a aparência exterior e a sensibilidade interior na construção de uma identidade sexual, a reinvenção de uma fisicalidade - através da performatividade inerente à categoria do género masculina.
Concepção, Interpretação, Espaço Cénico e Figurino: André Murraças Fotografia: the candy darling fan Direcção de Produção: Mafalda Santos Produção: Metamorfose Total
Ver o trailler do espectáculo aqui.
O Melhor Anjo (OMA):Porque decidiram apresentar a proposta de apresentação do espectáculo à MostraTE? Contributo para uma montra do novo teatro feito na capital ou bolsa de ar para a produção de projectos?
André Murraças (AM): É a oportunidade de estar inserido num festival diversificado, com um público igualmente variado. E é mais uma vez que espectáculo pode ser visto, numa outra sala - a questão da mudança espacial também me interessa.
OMA: Como contextualizam/posicionam o vosso espectáculo no panorama teatral português? Foi essa uma preocupação quando o produziram?
AM: Sempre criei os meus espectáculo por impulso. Falo das coisas que me são próximas, que me inquietam e de uma forma natural, mas ao mesmo tempo muito minha. Nunca me comparei ao resto dos trabalhos do restante panorama. Nem tento fazer nada para concorrer com alguém ou ser o maior. Faço aquilo que sei fazer, o melhor que posso e de uma forma muito pessoal. Este "POUR HOMME" surgiu no seguimento do meu gosto pelos estudos "gender" e é uma transposição para palco de uma procura de representações de masculidade na História de arte, publicidade e quotidiano. Uma tentativa de definir "masculinidade(s)".
OMA: Que relação se estabelece com o público numa apresentação isolada?
AM: Abstracta e isolada, serve para resposta? O público vê-me em palco a comportar da mesma forma que me veria se estivesse em casa comigo. Costumo dizer que faço "espectáculos caseiros". What you see is what you get. É claro que de vez em quando há uma ou outra marcação mais encenada, mas de resto é tudo muito natural. Claro que o facto de ser apresentado numa sala, perante um público, lhe dá o termo de espectáculo e é criada automaticamente uma barreira. Sobretudo espero que disfrutem e fiquem a pensar, mas não cedo nem faço nada para agradar. Pelo contrário. Sou muito crítico e irónico. E quem gostar gosta...
POUR HOMME
André Murraças
Teatro Taborda
19 Novembro
22h00
POUR HOMME é um percurso pelas representações do corpo masculino na História da Arte, publicidade e vida quotidiana. Através da recuperação de maneirismos, tiques, poses, posições masculinas, e do quanto a imagem pode ser um reflexo cultural da sociedade - o espectáculo resulta da busca de uma performatividade dessas imagens para a cena. Essa colheita do corpo representado na imagem e em sociedade, ganha uma nova fisicalidade na sua transposição para o palco. Bem como novas representações e interpretações do conceito de masculinidade.
Em palco, André Murraças - o único intérprete - vai imitando posses que tornaram famosos: Elvis, Jesus Cristo, James Dean, Hitler, James Bond, entre outras intervenientes da História e das artes. Ao mesmo tempo, são infiltradas no decurso do espectáculo, poses culturalmente associadas ao género masculino. Como, por exemplo, o toureiro, o ginasta, o polícia ou mesmo o simples gesto de barbear.
POUR HOMME vai roubar o seu título às embalagens de perfume masculinas. Até há alguns anos culturalmente imposto como um objecto de adorno e uso femininos, o aparecimento de produtos para homem veio colado a uma forte e saliente campanha de nomeação, para o caso de alguém mais antiquado os confundir com produtos femininos. O título interessa ao projecto porque reforça, com ironia, alguns temas sobre os quais se pretende reflectir: os limites e excessos da masculinidade, o desnorteamento das imagens quando retiradas do seu enquadramento histórico, o poder da publicidade, a busca de um símbolo (neste caso, o corpo do intérprete) que seja o intermediário entre a aparência exterior e a sensibilidade interior na construção de uma identidade sexual, a reinvenção de uma fisicalidade - através da performatividade inerente à categoria do género masculina.
Concepção, Interpretação, Espaço Cénico e Figurino: André Murraças Fotografia: the candy darling fan Direcção de Produção: Mafalda Santos Produção: Metamorfose Total
Ver o trailler do espectáculo aqui.
O Melhor Anjo (OMA):Porque decidiram apresentar a proposta de apresentação do espectáculo à MostraTE? Contributo para uma montra do novo teatro feito na capital ou bolsa de ar para a produção de projectos?
André Murraças (AM): É a oportunidade de estar inserido num festival diversificado, com um público igualmente variado. E é mais uma vez que espectáculo pode ser visto, numa outra sala - a questão da mudança espacial também me interessa.
OMA: Como contextualizam/posicionam o vosso espectáculo no panorama teatral português? Foi essa uma preocupação quando o produziram?
AM: Sempre criei os meus espectáculo por impulso. Falo das coisas que me são próximas, que me inquietam e de uma forma natural, mas ao mesmo tempo muito minha. Nunca me comparei ao resto dos trabalhos do restante panorama. Nem tento fazer nada para concorrer com alguém ou ser o maior. Faço aquilo que sei fazer, o melhor que posso e de uma forma muito pessoal. Este "POUR HOMME" surgiu no seguimento do meu gosto pelos estudos "gender" e é uma transposição para palco de uma procura de representações de masculidade na História de arte, publicidade e quotidiano. Uma tentativa de definir "masculinidade(s)".
OMA: Que relação se estabelece com o público numa apresentação isolada?
AM: Abstracta e isolada, serve para resposta? O público vê-me em palco a comportar da mesma forma que me veria se estivesse em casa comigo. Costumo dizer que faço "espectáculos caseiros". What you see is what you get. É claro que de vez em quando há uma ou outra marcação mais encenada, mas de resto é tudo muito natural. Claro que o facto de ser apresentado numa sala, perante um público, lhe dá o termo de espectáculo e é criada automaticamente uma barreira. Sobretudo espero que disfrutem e fiquem a pensar, mas não cedo nem faço nada para agradar. Pelo contrário. Sou muito crítico e irónico. E quem gostar gosta...
quinta-feira, novembro 18, 2004
Poética do quotidiano (LIV)
Hoje, a distinção é para o Miguel Vale de Almeida, que escreve, obviamente, o Tempos que Correm. E serve ainda para dar conta do que valeu a pena em Lisboa durante a semana ausente.
Lisboa azulfria
Os últimos dias têm sido tão extraordinariamente belos que quase me reconciliei com Lisboa. Sem calor, sem chuva, sem humidade - definitivamente Lisboa ganha com o conjunto friozito, céu limpo e Outono. Se pudessemos votar o clima, este era o meu partido, o da bandeira azulfrio.
Lisboa azulfria
Os últimos dias têm sido tão extraordinariamente belos que quase me reconciliei com Lisboa. Sem calor, sem chuva, sem humidade - definitivamente Lisboa ganha com o conjunto friozito, céu limpo e Outono. Se pudessemos votar o clima, este era o meu partido, o da bandeira azulfrio.
A CULTURA DO DESPERDÍCIO
Da REDE - Associação de Estruturas Para a Dança Contemporânea recebeu-se este comunicado/petição, disponível para assinatura aqui.
Depois de assistir à assunção da cultura como um bem essencial por parte do Estado que conduziu à criação de um Ministério da Cultura, à criação embrionária de uma Rede de Cine-Teatros, à criação de um sistema de apoio financeiro à arte contemporânea, ao florescimento da criação contemporânea e à estruturação embrionária de um tecido cultural diversificado e disseminado pelo país, a comunidade artística acreditou estar a assistir ao esboçar de uma política cultural.
Nos últimos dez anos, criadores, intelectuais, produtores e técnicos, foram parceiros activos na criação das condições para a sua materialização. Criaram estruturas profissionais que se disseminaram por todo o país (mesmo em contextos culturalmente carenciados), contribuíram para a projecção de artistas nacionais no estrangeiro, criaram entre elas dinâmicas de trabalho e parcerias que permitiram a optimização dos recursos e o desenvolvimento de um tecido artístico profissional e activo.
Nos últimos anos criaram-se estruturas supra-associativas (REDE, APPC, PLATEIA) que participaram activamente na discussão da lei orgânica do Instituto das Artes e na legislação do novo sistema de apoio financeiro, e que têm mantido algum diálogo com o IA e com a Secretaria de Estado da Cultura.
No entanto, o processo de construção de uma verdadeira política cultural tem sido continuamente minado pela sucessiva mudança de orientações políticas, com todas as suas consequências.
A instabilidade criada por constantes mudanças nas equipas ministeriais, que sucessivamente deixam na gaveta muitos estudos e medidas por implementar, a fusão do Instituto Português das Artes do Espectáculo com o Instituto de Arte Contemporânea, o atraso na implementação da legislação do sistema de apoio financeiro, a duplicação das secretarias de Estado da Cultura (Bens Culturais e Artes do Espectáculo) que veio romper com a continuidade do trabalho, têm desviado a atenção do essencial, pondo em causa a continuidade do desenvolvimento do tecido cultural profissional.
A falta de reflexão e de investimento no desenvolvimento de uma política cultural integrada, que não se reduza apenas à atribuição de apoios financeiros, mas que passe pela implementação de medidas estruturantes fomentando o interesse e a sensibilização da sociedade para as questões da arte e da criação contemporâneas contribuindo para o desenvolvimento do país, tem obrigado estruturas e criadores a permanecer numa simples lógica de sobrevivência.
É desta forma o próprio Estado que em última instância fomenta a chamada “subsídio - dependência” ao alhear-se de questões de fundo como: a articulação entre o Ministério da Educação e o Ministério da Cultura; o desenvolvimento do estatuto sócio-profissional do artista, que permita o desenvolvimento digno da carreira dos profissionais do espectáculo; a dotação de meios para que a recentemente renovada Rede de Cine Teatros (com a qual foram gastos milhões de Euros) possa contratar programadores e técnicos especializados que criem dinâmicas locais; a reformulação da Lei do Mecenato, e a sensibilização do sector económico.
É esta falta de visão e ineficácia dos sucessivos governos nas questões da cultura, que mantém criadores e estruturas incapazes de criarem meios e formas de crescimento fundamentais, que permitam a longo prazo o aumento da autonomia financeira do sector.
Do recentemente apresentado Orçamento do Estado – que prevê uma cativação de verbas na ordem dos 21,4% - poderá resultar, caso seja aprovado, o que há muito a comunidade artística e a da dança contemporânea em particular tem vindo a prever - a desintegração de todo o sector.
Os anúncios de aumento (virtual) do orçamento do Ministério da Cultura, que supostamente beneficiaria em particular o Instituto das Artes (instituição cuja função é implementar a política cultural do Governo no domínio de todo o sector das Artes Contemporâneas) afastam o olhar menos atento da realidade. Cativando 21,4% das verbas previstas, o Instituto das Artes ficará na realidade sem verba que permita a continuidade do seu funcionamento, pois dos cerca de 17 500 000 euros que poderá movimentar 16 900 000 euros estão já comprometidos no Programa de Apoio Sustentado restando apenas 500 000 euros para os apoios pontuais de todas as áreas, Internacionalização, Difusão e Formação de Públicos.
Muitas estruturas de criação, formação, programação e de residências artísticas entrarão em ruptura, e a frágil rede de funcionamento dos agentes culturais será destruída.
Este congelamento não afectará apenas o Instituto das Artes, nem só o Ministério da Cultura!
O Governo do Dr. Santana Lopes e a Ministra da Cultura Dr.ª Maria João Bustorff serão portanto os responsáveis por concretizarem aquilo que sucessivos Governos têm vindo a anunciar – a quebra irreparável na continuidade do desenvolvimento da criação artística em Portugal, que poderá levar muitos dos nossos artistas, nomeadamente na área da dança contemporânea, a sair do país.
Um país que não respeita os seus artistas, os seus cientistas, os seus professores é certamente um país sem futuro.
REDE – Associação de Estruturas para a Dança Contemporânea
15 de Novembro de 2004
Depois de assistir à assunção da cultura como um bem essencial por parte do Estado que conduziu à criação de um Ministério da Cultura, à criação embrionária de uma Rede de Cine-Teatros, à criação de um sistema de apoio financeiro à arte contemporânea, ao florescimento da criação contemporânea e à estruturação embrionária de um tecido cultural diversificado e disseminado pelo país, a comunidade artística acreditou estar a assistir ao esboçar de uma política cultural.
Nos últimos dez anos, criadores, intelectuais, produtores e técnicos, foram parceiros activos na criação das condições para a sua materialização. Criaram estruturas profissionais que se disseminaram por todo o país (mesmo em contextos culturalmente carenciados), contribuíram para a projecção de artistas nacionais no estrangeiro, criaram entre elas dinâmicas de trabalho e parcerias que permitiram a optimização dos recursos e o desenvolvimento de um tecido artístico profissional e activo.
Nos últimos anos criaram-se estruturas supra-associativas (REDE, APPC, PLATEIA) que participaram activamente na discussão da lei orgânica do Instituto das Artes e na legislação do novo sistema de apoio financeiro, e que têm mantido algum diálogo com o IA e com a Secretaria de Estado da Cultura.
No entanto, o processo de construção de uma verdadeira política cultural tem sido continuamente minado pela sucessiva mudança de orientações políticas, com todas as suas consequências.
A instabilidade criada por constantes mudanças nas equipas ministeriais, que sucessivamente deixam na gaveta muitos estudos e medidas por implementar, a fusão do Instituto Português das Artes do Espectáculo com o Instituto de Arte Contemporânea, o atraso na implementação da legislação do sistema de apoio financeiro, a duplicação das secretarias de Estado da Cultura (Bens Culturais e Artes do Espectáculo) que veio romper com a continuidade do trabalho, têm desviado a atenção do essencial, pondo em causa a continuidade do desenvolvimento do tecido cultural profissional.
A falta de reflexão e de investimento no desenvolvimento de uma política cultural integrada, que não se reduza apenas à atribuição de apoios financeiros, mas que passe pela implementação de medidas estruturantes fomentando o interesse e a sensibilização da sociedade para as questões da arte e da criação contemporâneas contribuindo para o desenvolvimento do país, tem obrigado estruturas e criadores a permanecer numa simples lógica de sobrevivência.
É desta forma o próprio Estado que em última instância fomenta a chamada “subsídio - dependência” ao alhear-se de questões de fundo como: a articulação entre o Ministério da Educação e o Ministério da Cultura; o desenvolvimento do estatuto sócio-profissional do artista, que permita o desenvolvimento digno da carreira dos profissionais do espectáculo; a dotação de meios para que a recentemente renovada Rede de Cine Teatros (com a qual foram gastos milhões de Euros) possa contratar programadores e técnicos especializados que criem dinâmicas locais; a reformulação da Lei do Mecenato, e a sensibilização do sector económico.
É esta falta de visão e ineficácia dos sucessivos governos nas questões da cultura, que mantém criadores e estruturas incapazes de criarem meios e formas de crescimento fundamentais, que permitam a longo prazo o aumento da autonomia financeira do sector.
Do recentemente apresentado Orçamento do Estado – que prevê uma cativação de verbas na ordem dos 21,4% - poderá resultar, caso seja aprovado, o que há muito a comunidade artística e a da dança contemporânea em particular tem vindo a prever - a desintegração de todo o sector.
Os anúncios de aumento (virtual) do orçamento do Ministério da Cultura, que supostamente beneficiaria em particular o Instituto das Artes (instituição cuja função é implementar a política cultural do Governo no domínio de todo o sector das Artes Contemporâneas) afastam o olhar menos atento da realidade. Cativando 21,4% das verbas previstas, o Instituto das Artes ficará na realidade sem verba que permita a continuidade do seu funcionamento, pois dos cerca de 17 500 000 euros que poderá movimentar 16 900 000 euros estão já comprometidos no Programa de Apoio Sustentado restando apenas 500 000 euros para os apoios pontuais de todas as áreas, Internacionalização, Difusão e Formação de Públicos.
Muitas estruturas de criação, formação, programação e de residências artísticas entrarão em ruptura, e a frágil rede de funcionamento dos agentes culturais será destruída.
Este congelamento não afectará apenas o Instituto das Artes, nem só o Ministério da Cultura!
O Governo do Dr. Santana Lopes e a Ministra da Cultura Dr.ª Maria João Bustorff serão portanto os responsáveis por concretizarem aquilo que sucessivos Governos têm vindo a anunciar – a quebra irreparável na continuidade do desenvolvimento da criação artística em Portugal, que poderá levar muitos dos nossos artistas, nomeadamente na área da dança contemporânea, a sair do país.
Um país que não respeita os seus artistas, os seus cientistas, os seus professores é certamente um país sem futuro.
REDE – Associação de Estruturas para a Dança Contemporânea
15 de Novembro de 2004
6ª Mostra de teatro Jovem de Lisboa (I) - TARTNOIR
TARTNOIR
Associação Cultural e Recreativa HIPÓCRITAS
Teatro Taborda
18 Novembro 2004
21h30
TartNoir é um espectáculo excêntrico, divertido e pouco usual. É adaptado de uma obra de Lauren Henderson e Stella Duffy. Num só livro conseguiu-se reunir histórias de vingança, amor obsessivo, sedução, crime e inveja.
Porém, não são histórias que acabam da maneira a que estamos habituados. E também não são vividas pelas personagens mais banais. Tudo se resume a uma palavra: TART.
Tart descreve mulheres bonitas, perigosas, corajosas e sedutoras, que dão uma nova resolução a problemas tão comuns na nossa vida. Aqui se incluem várias problemáticas como o amor, a inveja na vida profissional e a sexualidade.
Encenação: Luís Filipe Borges Adaptação do texto: Alexandre Borges Texto baseado na colectânea de: Stella Duffy e Lauren Hendersen Elenco: Amalah, Filipa Pais de Sousa, Filipe Cardoso, Helena de Melo, Inês Moço Pereira, Marco Leão, Miguel Rocha, Sheila Totta, Sílvia Soares, Sofia Ribeiro Cenografia: Amalah, Inês Moço Pereira Figurinos: Amalah Caracterização: Sílvia Soares, Helena de Melo Desenho de Luz: Bruno Gaspar Operação de Luz: Vanessa Fazendeiro Sonoplastia: Miguel Mendes Operação de Som: Filipe Sim-Sim Grafismo: Nuno Nunes Ferreira Fotografia de Cena: Vanessa Fazendeiro Produção Executiva: Helena de Melo, Sílvia Gomes Pereira Magda Bull Produção: Hipócritas
Porque decidiram apresentar a proposta de apresentação do espectáculo à MostraTE? Contributo para uma montra do novo teatro feito na capital ou bolsa de ar para a produção de projectos?
Se perguntarmos a cada um dos membros do nosso grupo a razão que levou ao nascimento dos Hipócritas, todos responderão, indubitavelmente e sem hesitar, que foi o vício do palco e da realidade que só vive porque nós a deixamos transparecer, porque a dotamos de cor e luz e movimento.
E o vício foi-se propagando…a amigos, a conhecidos, a amigos de amigos e de mais conhecidos…a pessoas com riquezas e tesouros para partilhar. E no fundo é só disso que se trata: de partilhar.
E porque o vício cresceu, e com ele a dedicação, os Hipócritas sentiram, e sentem, a necessidade de extrapolar as fronteiras das salas de ensaio e das reuniões intimistas em casa de um ou outro membro. Surge a vontade de mostrar o nosso trabalho, de divulgar a nossa paixão com dignidade, de prolongar a vida do espectáculo que, afinal, marcou o nosso nascimento enquanto grupo de teatro com um elenco jovem e de grande potencial.
Poder apresentá-lo no MostraTE é, para os Hipócritas, uma honra! E se tal honra puder contribuir para a produção de outro espectáculo, tanto melhor… O sonho está, cada vez mais, ao alcance dos nossos corpos e das nossas mãos.
Como contextualizam/posicionam o vosso espectáculo no panorama teatral português? Foi essa uma preocupação quando o produziram?
Enquanto grupo académico que, não por mutação, mas por evolução se tornou amador, interessa-nos a criatividade, a originalidade.
Enquanto indivíduos que partilham a responsabilidade de um amor intenso e imenso pela magia do teatro, importa-nos a qualidade.
Enquanto actores que seguem um sonho que, apesar de tão grande, seguramente um dia lhes caberá na palma da mão, preocupa-nos o prazer da arte.
Enquanto cidadãos culturalmente sensíveis, queremos que o Teatro aconteça em Portugal…e queremos fazer parte do seu processo, para podermos celebrar a sua vida com o sabor doce e único do criador.
Por isso, nunca duvidámos do potencial de TartNoir. Porque é vanguardista, porque é progressista, porque é experimental. Porque é tão fundamentalmente bom que suscitou em cada um de nós uma vontade incontrolável de o levar à cena. Adaptado para os Hipócritas por Alexandre Borges, TartNoir é uma colectânea de short-stories, no essencial policiais, lançada muito recentemente nos E.U.A. por um conjunto de vinte escritoras britânicas e norte-americanas, coordenada por Stella Duffy e Lauren Henderson. Na sua motivação, um ímpeto feminista, uma vontade de experimentar o mundo dos homens com a paixão, o fervor e o sangue das mulheres.
Aqui, impera o espírito feminino. A sua libido, o seu poder, a sedução, o jogo, a rede de intrigas, a vontade de destruir e construir de novo, as suas feridas por fechar e as que abrem noutros corpos. O baton, o rímel, o verniz, o eyeliner, a base. O cabedal, as roupas fetichistas, os esqueletos escondidos no armário, os fantasmas do passado. Os impulsos sexuais recalcados, a noção da idade, a perda da inocência.
TartNoir é, sem dúvida, um espectáculo único, espelho das características mais essenciais do nosso grupo e, por isso, profundamente pensado e desejado. As coisas más acontecem…e as boas também, mas nunca por casualidade.
Que relação se estabelece com o público numa apresentação isolada?
Numa representação isolada não se pode, de forma alguma, estabelecer relações penetrantes com o público.
Porém, esta reposição representa para nós muito mais que um espectáculo, não depreciando, obviamente, o seu significado em termos de reconhecimento de um esforço e de um valor profundos e a sua relevância para os Hipócritas no campo da promoção e da divulgação do nosso trabalho. Mais que isso, é com um enorme gosto que recebemos a oportunidade de contribuir para suscitar a curiosidade pelo teatro amador em Portugal!
Mas a verdade é que esta noite simboliza o revivalismo de um ano e de um mês de Verão muito especiais: o primeiro porque foi o ano de trabalho e dedicação intensos na gestação do espectáculo e o segundo porque marcou o brotar do que semeámos com a sua colocação em cena. Neste dia, 18 de Novembro de 2004, não só queremos fazer a nossa colheita, como também deixar cair, discretamente, mais algumas das nossas sementinhas hipocritamente enfeitiçadas no palco do Teatro Taborda.
Associação Cultural e Recreativa HIPÓCRITAS
Teatro Taborda
18 Novembro 2004
21h30
TartNoir é um espectáculo excêntrico, divertido e pouco usual. É adaptado de uma obra de Lauren Henderson e Stella Duffy. Num só livro conseguiu-se reunir histórias de vingança, amor obsessivo, sedução, crime e inveja.
Porém, não são histórias que acabam da maneira a que estamos habituados. E também não são vividas pelas personagens mais banais. Tudo se resume a uma palavra: TART.
Tart descreve mulheres bonitas, perigosas, corajosas e sedutoras, que dão uma nova resolução a problemas tão comuns na nossa vida. Aqui se incluem várias problemáticas como o amor, a inveja na vida profissional e a sexualidade.
Encenação: Luís Filipe Borges Adaptação do texto: Alexandre Borges Texto baseado na colectânea de: Stella Duffy e Lauren Hendersen Elenco: Amalah, Filipa Pais de Sousa, Filipe Cardoso, Helena de Melo, Inês Moço Pereira, Marco Leão, Miguel Rocha, Sheila Totta, Sílvia Soares, Sofia Ribeiro Cenografia: Amalah, Inês Moço Pereira Figurinos: Amalah Caracterização: Sílvia Soares, Helena de Melo Desenho de Luz: Bruno Gaspar Operação de Luz: Vanessa Fazendeiro Sonoplastia: Miguel Mendes Operação de Som: Filipe Sim-Sim Grafismo: Nuno Nunes Ferreira Fotografia de Cena: Vanessa Fazendeiro Produção Executiva: Helena de Melo, Sílvia Gomes Pereira Magda Bull Produção: Hipócritas
Porque decidiram apresentar a proposta de apresentação do espectáculo à MostraTE? Contributo para uma montra do novo teatro feito na capital ou bolsa de ar para a produção de projectos?
Se perguntarmos a cada um dos membros do nosso grupo a razão que levou ao nascimento dos Hipócritas, todos responderão, indubitavelmente e sem hesitar, que foi o vício do palco e da realidade que só vive porque nós a deixamos transparecer, porque a dotamos de cor e luz e movimento.
E o vício foi-se propagando…a amigos, a conhecidos, a amigos de amigos e de mais conhecidos…a pessoas com riquezas e tesouros para partilhar. E no fundo é só disso que se trata: de partilhar.
E porque o vício cresceu, e com ele a dedicação, os Hipócritas sentiram, e sentem, a necessidade de extrapolar as fronteiras das salas de ensaio e das reuniões intimistas em casa de um ou outro membro. Surge a vontade de mostrar o nosso trabalho, de divulgar a nossa paixão com dignidade, de prolongar a vida do espectáculo que, afinal, marcou o nosso nascimento enquanto grupo de teatro com um elenco jovem e de grande potencial.
Poder apresentá-lo no MostraTE é, para os Hipócritas, uma honra! E se tal honra puder contribuir para a produção de outro espectáculo, tanto melhor… O sonho está, cada vez mais, ao alcance dos nossos corpos e das nossas mãos.
Como contextualizam/posicionam o vosso espectáculo no panorama teatral português? Foi essa uma preocupação quando o produziram?
Enquanto grupo académico que, não por mutação, mas por evolução se tornou amador, interessa-nos a criatividade, a originalidade.
Enquanto indivíduos que partilham a responsabilidade de um amor intenso e imenso pela magia do teatro, importa-nos a qualidade.
Enquanto actores que seguem um sonho que, apesar de tão grande, seguramente um dia lhes caberá na palma da mão, preocupa-nos o prazer da arte.
Enquanto cidadãos culturalmente sensíveis, queremos que o Teatro aconteça em Portugal…e queremos fazer parte do seu processo, para podermos celebrar a sua vida com o sabor doce e único do criador.
Por isso, nunca duvidámos do potencial de TartNoir. Porque é vanguardista, porque é progressista, porque é experimental. Porque é tão fundamentalmente bom que suscitou em cada um de nós uma vontade incontrolável de o levar à cena. Adaptado para os Hipócritas por Alexandre Borges, TartNoir é uma colectânea de short-stories, no essencial policiais, lançada muito recentemente nos E.U.A. por um conjunto de vinte escritoras britânicas e norte-americanas, coordenada por Stella Duffy e Lauren Henderson. Na sua motivação, um ímpeto feminista, uma vontade de experimentar o mundo dos homens com a paixão, o fervor e o sangue das mulheres.
Aqui, impera o espírito feminino. A sua libido, o seu poder, a sedução, o jogo, a rede de intrigas, a vontade de destruir e construir de novo, as suas feridas por fechar e as que abrem noutros corpos. O baton, o rímel, o verniz, o eyeliner, a base. O cabedal, as roupas fetichistas, os esqueletos escondidos no armário, os fantasmas do passado. Os impulsos sexuais recalcados, a noção da idade, a perda da inocência.
TartNoir é, sem dúvida, um espectáculo único, espelho das características mais essenciais do nosso grupo e, por isso, profundamente pensado e desejado. As coisas más acontecem…e as boas também, mas nunca por casualidade.
Que relação se estabelece com o público numa apresentação isolada?
Numa representação isolada não se pode, de forma alguma, estabelecer relações penetrantes com o público.
Porém, esta reposição representa para nós muito mais que um espectáculo, não depreciando, obviamente, o seu significado em termos de reconhecimento de um esforço e de um valor profundos e a sua relevância para os Hipócritas no campo da promoção e da divulgação do nosso trabalho. Mais que isso, é com um enorme gosto que recebemos a oportunidade de contribuir para suscitar a curiosidade pelo teatro amador em Portugal!
Mas a verdade é que esta noite simboliza o revivalismo de um ano e de um mês de Verão muito especiais: o primeiro porque foi o ano de trabalho e dedicação intensos na gestação do espectáculo e o segundo porque marcou o brotar do que semeámos com a sua colocação em cena. Neste dia, 18 de Novembro de 2004, não só queremos fazer a nossa colheita, como também deixar cair, discretamente, mais algumas das nossas sementinhas hipocritamente enfeitiçadas no palco do Teatro Taborda.
Regresso (s)
Passar uma semana fora da capital é mais difícil e mais ausente que marcar uma viagem para o outro lado do mundo. Fazem todo o sentido os versos do Fernando Pessoa (ainda mais se forem cantados pela Maria Bethânia): "Outrora eu era daqui,/e hoje regresso estrangeiro,/forasteiro do que vejo e ouço,/ velho de mim.”
Alguns up-dates:
1) Começou ontem a 6ª Mostra de Teatro Jovem de Lisboa, no Teatro Taborda. Como já foi anunciado, o Melhor Anjo vai passar as próximas duas semanas a ver, comentar e analisar as apresentações. A partir de hoje (com a impossibilidade do dom da ubiquidade não foi possível ver o espectáculo da Lígia Soares e da Andresa Soares «O Que Foi Já Era o Que Vier Será + Também Passará e Sopro Fino em Pedra Dura + Ventanias de Outono»), e em post próprio, tentaremos perceber o que é que se anda a passar no Teatro Taborda.
2) O regresso faz-se, também, com novas intenções. A participação no Seminário Internacional para Jovens Críticos de Teatro, organizado pela Associação Internacional de Críticos de Teatro no âmbito do Po.N.T.I.'04/13º Festival da União do Teatros da Europa, permitiu o contacto com países tão diversos culturalmente como a Algéria, Quebec, México, Polónia, Moldávia, Rússia, Eslováquia, Escócia, Bulgária ou Roménia. À medida que forem chegando as comunicações dos delegados ao Enconto, vamos dar a conhecer as realidades teatrais desses países. Espero que seja interessante.
3) O Chá de Limão acabou de fechar a recepção dos contos para o 1º concurso de contos gay da blogayfera, como anunciámos durante longos dias. Os contos estão agora à disposição para leitura aqui e a forma de escolha do vencedor, está explicada aqui. Parabéns pela iniciativa.
4) O Renas e Veados está quase a fazer um ano e decidiu lançar um original concurso aberto a todos os participantes, que já está a decorrer. Assim, querem-se fotografias de renas, veados ou até alces. A decorrer até 7 de Dezembro, todas as regras estão explicadas aqui.
E agora vou ali actualizar-me. Prémio poética do quotidiano, já a seguir.
Alguns up-dates:
1) Começou ontem a 6ª Mostra de Teatro Jovem de Lisboa, no Teatro Taborda. Como já foi anunciado, o Melhor Anjo vai passar as próximas duas semanas a ver, comentar e analisar as apresentações. A partir de hoje (com a impossibilidade do dom da ubiquidade não foi possível ver o espectáculo da Lígia Soares e da Andresa Soares «O Que Foi Já Era o Que Vier Será + Também Passará e Sopro Fino em Pedra Dura + Ventanias de Outono»), e em post próprio, tentaremos perceber o que é que se anda a passar no Teatro Taborda.
2) O regresso faz-se, também, com novas intenções. A participação no Seminário Internacional para Jovens Críticos de Teatro, organizado pela Associação Internacional de Críticos de Teatro no âmbito do Po.N.T.I.'04/13º Festival da União do Teatros da Europa, permitiu o contacto com países tão diversos culturalmente como a Algéria, Quebec, México, Polónia, Moldávia, Rússia, Eslováquia, Escócia, Bulgária ou Roménia. À medida que forem chegando as comunicações dos delegados ao Enconto, vamos dar a conhecer as realidades teatrais desses países. Espero que seja interessante.
3) O Chá de Limão acabou de fechar a recepção dos contos para o 1º concurso de contos gay da blogayfera, como anunciámos durante longos dias. Os contos estão agora à disposição para leitura aqui e a forma de escolha do vencedor, está explicada aqui. Parabéns pela iniciativa.
4) O Renas e Veados está quase a fazer um ano e decidiu lançar um original concurso aberto a todos os participantes, que já está a decorrer. Assim, querem-se fotografias de renas, veados ou até alces. A decorrer até 7 de Dezembro, todas as regras estão explicadas aqui.
E agora vou ali actualizar-me. Prémio poética do quotidiano, já a seguir.
sexta-feira, novembro 12, 2004
Pausa
Este blog vai parar durante uma semana. Vou participar no Encontro Internacional de Jovens Críticos de Teatro, no Porto.
Até lá ficam interrompidas as séries "prémio poética do quotidiano" e "a lei dos amantes".
Não se esqueçam que o Chá de Limão continua a receber propostas até dia 15 de Novembro.
Quando voltar, começarei a cobertura da 6ª Mostra de Teatro Jovem de Lisboa, que decorre no Teatro Taborda até ao fim do mês. Irei apresentar as opiniões das companhias, organização e promotores (dos que respoderem, claro), bem como análises dos espectáculos e um paper final sobre a 6ª MostraTE.
Boa viagem.
Este blog vai parar durante uma semana. Vou participar no Encontro Internacional de Jovens Críticos de Teatro, no Porto.
Até lá ficam interrompidas as séries "prémio poética do quotidiano" e "a lei dos amantes".
Não se esqueçam que o Chá de Limão continua a receber propostas até dia 15 de Novembro.
Quando voltar, começarei a cobertura da 6ª Mostra de Teatro Jovem de Lisboa, que decorre no Teatro Taborda até ao fim do mês. Irei apresentar as opiniões das companhias, organização e promotores (dos que respoderem, claro), bem como análises dos espectáculos e um paper final sobre a 6ª MostraTE.
Boa viagem.
quinta-feira, novembro 11, 2004
Poética do quotidiano (LIII)
O Silva, que escreve no Classe Média, diz isto acerca da mentira e da verdade. E daquilo que fazemos por ela.
A Vila
Os meus pais gostam de me contar histórias, relatos de uma Lisboa que se perdeu. Tropeçam regularmente numa não-sei-quantas que era das mulheres mais bonitas de Lisboa ou num não-sei-quantos que era o comandante mais bonito da TAP. Estes míticos não-sei-quantos induzem em mim uma pseudo-saudade dos tempos em que era possível meter no bolso a beleza de uma cidade. Hoje em dia, conheço uma ou duas raparigas de quem dizem o mesmo. No entanto, tanto eu como as pessoas que o dizem, sabemos perfeitamente que isso é mentira. A beleza moderna é tudo menos estanque, mesmo que a cidade às vezes pareça tão pequena como o era há trinta anos.
O Silva, que escreve no Classe Média, diz isto acerca da mentira e da verdade. E daquilo que fazemos por ela.
A Vila
Os meus pais gostam de me contar histórias, relatos de uma Lisboa que se perdeu. Tropeçam regularmente numa não-sei-quantas que era das mulheres mais bonitas de Lisboa ou num não-sei-quantos que era o comandante mais bonito da TAP. Estes míticos não-sei-quantos induzem em mim uma pseudo-saudade dos tempos em que era possível meter no bolso a beleza de uma cidade. Hoje em dia, conheço uma ou duas raparigas de quem dizem o mesmo. No entanto, tanto eu como as pessoas que o dizem, sabemos perfeitamente que isso é mentira. A beleza moderna é tudo menos estanque, mesmo que a cidade às vezes pareça tão pequena como o era há trinta anos.
Fernado Corrêa de Oliveira (1921-2004)
Recebo este e-mail da Miso Music
A Miso Music Portugal vem por este meio
noticiar, com profundo pesar, a morte do compositor e teórico
musical Fernando Corrêa de Oliveira, ocorrida no passado dia 21 de
Outubro, no Porto. Tendo nascido nessa mesma cidade em 1921, Fernando
Corrêa de Oliveira foi autor do sistema de composição a que
chamou "Simetria Sonora", baseado na harmonia e no
contraponto simétricos, e no qual escreveu todas as suas obras a
partir de 1949.
Fernando Corrêa de Oliveira era o decano dos compositores
portugueses e uma figura que deixou uma marca indelével na
história musical portuguesa contemporânea. A construção da sua
escola "Parnaso", vocacionada para o ensino de música,
ballet e teatro, em 1957, veio oferecer ao Porto um pólo de
actividades culturais diversificadas, sendo de realçar o facto de o
auditório desta instituição ser um dos melhores da cidade para a
época. Fernando Corrêa de Oliveira foi aluno do compositor
Cláudio Carneyro e divulgou o seu sistema de composição junto de
figuras como Humphrey Searle, Ernst Krenek ou Edgard Varèse. Do seu
catálogo de obras destacam-se cinco sinfonias, duas óperas - O
Cábula e O Planeta, a primeira das quais editada em disco
em 1965 - e diversas obras didácticas, num total de cerca de setenta
composições. Apesar de muitas delas serem ainda hoje inéditas,
algumas das mais importantes obras de Fernando Corrêa de Oliveira
foram estreadas por maestros como Manuel Ivo Cruz, Günther Arglebe
ou Joly Braga Santos, e diversas peças do seu repertório de
câmara foram executadas por intérpretes como Helena Sá e Costa ou
François Broos. De entre os compositores que empregaram o seu
sistema de composição, são de realçar os nomes de Berta Alves
de Sousa e Victor Macedo Pinto, devendo também destacar-se músicos
como Jorge Constante Pereira ou Pedro Burmester do elevado número de
alunos que frequentou o "Parnaso".
Recentemente, o violinista João Pedro
Cunha defendeu em Inglaterra uma dissertação de mestrado sobre o
sistema de composição de Fernando Corrêa de Oliveira,
perpetuando assim a divulgação além-fronteiras da "Simetria
Sonora", algo que o seu autor já fizera desde as décadas de
1950 e 1960. Fernando Corrêa de Oliveira foi fundador e presidente
da Associação da Juventude Musical Portuguesa do Porto e leccionou
as disciplinas de História da Música e Composição nos
Conservatórios de Braga, de Guimarães e do Porto e na Escola
Superior de Música do Porto, entre outras
instituições.
É de lamentar profundamente a falta de
reconhecimento, por parte das instituições públicas nacionais,
de um dos autores fundamentais da música portuguesa do século XX.
Ergueu-se, de forma incompreensível, um verdadeiro muro de
silêncio à volta da sua obra, não obstante o valor, rigor e
invejável coerência da mesma. Com o desaparecimento de Fernando
Corrêa de Oliveira permanece, todavia, um legado de vulto, e
espera-se que urgentemente lhe seja reconhecida toda a atenção
que, com efeito, merece.
A Miso Music Portugal vem por este meio
noticiar, com profundo pesar, a morte do compositor e teórico
musical Fernando Corrêa de Oliveira, ocorrida no passado dia 21 de
Outubro, no Porto. Tendo nascido nessa mesma cidade em 1921, Fernando
Corrêa de Oliveira foi autor do sistema de composição a que
chamou "Simetria Sonora", baseado na harmonia e no
contraponto simétricos, e no qual escreveu todas as suas obras a
partir de 1949.
Fernando Corrêa de Oliveira era o decano dos compositores
portugueses e uma figura que deixou uma marca indelével na
história musical portuguesa contemporânea. A construção da sua
escola "Parnaso", vocacionada para o ensino de música,
ballet e teatro, em 1957, veio oferecer ao Porto um pólo de
actividades culturais diversificadas, sendo de realçar o facto de o
auditório desta instituição ser um dos melhores da cidade para a
época. Fernando Corrêa de Oliveira foi aluno do compositor
Cláudio Carneyro e divulgou o seu sistema de composição junto de
figuras como Humphrey Searle, Ernst Krenek ou Edgard Varèse. Do seu
catálogo de obras destacam-se cinco sinfonias, duas óperas - O
Cábula e O Planeta, a primeira das quais editada em disco
em 1965 - e diversas obras didácticas, num total de cerca de setenta
composições. Apesar de muitas delas serem ainda hoje inéditas,
algumas das mais importantes obras de Fernando Corrêa de Oliveira
foram estreadas por maestros como Manuel Ivo Cruz, Günther Arglebe
ou Joly Braga Santos, e diversas peças do seu repertório de
câmara foram executadas por intérpretes como Helena Sá e Costa ou
François Broos. De entre os compositores que empregaram o seu
sistema de composição, são de realçar os nomes de Berta Alves
de Sousa e Victor Macedo Pinto, devendo também destacar-se músicos
como Jorge Constante Pereira ou Pedro Burmester do elevado número de
alunos que frequentou o "Parnaso".
Recentemente, o violinista João Pedro
Cunha defendeu em Inglaterra uma dissertação de mestrado sobre o
sistema de composição de Fernando Corrêa de Oliveira,
perpetuando assim a divulgação além-fronteiras da "Simetria
Sonora", algo que o seu autor já fizera desde as décadas de
1950 e 1960. Fernando Corrêa de Oliveira foi fundador e presidente
da Associação da Juventude Musical Portuguesa do Porto e leccionou
as disciplinas de História da Música e Composição nos
Conservatórios de Braga, de Guimarães e do Porto e na Escola
Superior de Música do Porto, entre outras
instituições.
É de lamentar profundamente a falta de
reconhecimento, por parte das instituições públicas nacionais,
de um dos autores fundamentais da música portuguesa do século XX.
Ergueu-se, de forma incompreensível, um verdadeiro muro de
silêncio à volta da sua obra, não obstante o valor, rigor e
invejável coerência da mesma. Com o desaparecimento de Fernando
Corrêa de Oliveira permanece, todavia, um legado de vulto, e
espera-se que urgentemente lhe seja reconhecida toda a atenção
que, com efeito, merece.
quarta-feira, novembro 10, 2004
Small Male Stories (#21)
Nova participação para o Small Male Stories, o 1º concurso de contos gay da blogaysfera, organizado pelo Chá de Limão.
O Je Bois apresenta o conto Sem Misturas.
O concurso recebe propostas até dia 15 de Novembro.
Todos os contos a concurso, já publicados, aqui.
Regulamento, aqui.
Nova participação para o Small Male Stories, o 1º concurso de contos gay da blogaysfera, organizado pelo Chá de Limão.
O Je Bois apresenta o conto Sem Misturas.
O concurso recebe propostas até dia 15 de Novembro.
Todos os contos a concurso, já publicados, aqui.
Regulamento, aqui.
Nunca más
A TVI anuncia para amanhã uma reportagem no Jornal Nacional sobre uma das maiores barbáries da história da humanidade.
Durante a ditadura militar argentina, mais de 500 mulheres grávidas desapareceram e os seus filhos foram dados como mortos. Na verdade, eram vendidos ou dados à adopção para os militares.
Temo que a TVI torne a coisa numa história sensacionalista, ainda assim aconselha-se o visionamento.
Há imenso tempo que quero fazer um post sobre esta questão. A ver se aproveito o embalo.
Entretanto aqui fica o site de uma ONG argentina que compilou todos os documentos relativos à ditadura e às torturas praticadas a milhares de inocentes. Chama-se Nunca Más. Para que não se esqueça.
E aqui um referente às Mães da Praça de Mayo, a praça que fica em frente à Casa Rosada, em Buenos Aires, onde ainda hoje se encontram mães à procura dos filhos.
Aqui podem encontrar informações sobre o filme La Historia Oficial, um filme de 1986 que ganhou o Oscar para melhor filme estrangeiro e que é uma abordagem cruel dessa realidade. Trata da história de uma mulher que descobre que a sua filha veio de uma desaparecida, torturada em nome do marido.
Há ainda o filme Imagining Argentina, filme fraquinho, mas elucidador com o Antonio Banderas e a Emma Thompson. O livro também se encontra disponível à venda.
Para terminar, um poema do Alexandre O'Neill, publicado em 1978
TAÇA DO MUNDO DE FUTEBOL (ARGENTINA, 1978)
O estádio River Plate situa-se a 700 mts. dum edifício pertencente à Marinha argentina onde se praticavam as piores torturas.
Em Buenos Aires, no River Plate,
a seis campos de futebol (medidas máximas)
do Centro onde, entre outros primores de jogo,
se chutavam testículos, mamas e cabeças,
a Taça do Mundo ferverá nas mãos de quem a ganhar,
de quem a empunhar, de quem por ela beber
A MERDA DE LÁ TER IDO.
Maio, 1978
A TVI anuncia para amanhã uma reportagem no Jornal Nacional sobre uma das maiores barbáries da história da humanidade.
Durante a ditadura militar argentina, mais de 500 mulheres grávidas desapareceram e os seus filhos foram dados como mortos. Na verdade, eram vendidos ou dados à adopção para os militares.
Temo que a TVI torne a coisa numa história sensacionalista, ainda assim aconselha-se o visionamento.
Há imenso tempo que quero fazer um post sobre esta questão. A ver se aproveito o embalo.
Entretanto aqui fica o site de uma ONG argentina que compilou todos os documentos relativos à ditadura e às torturas praticadas a milhares de inocentes. Chama-se Nunca Más. Para que não se esqueça.
E aqui um referente às Mães da Praça de Mayo, a praça que fica em frente à Casa Rosada, em Buenos Aires, onde ainda hoje se encontram mães à procura dos filhos.
Aqui podem encontrar informações sobre o filme La Historia Oficial, um filme de 1986 que ganhou o Oscar para melhor filme estrangeiro e que é uma abordagem cruel dessa realidade. Trata da história de uma mulher que descobre que a sua filha veio de uma desaparecida, torturada em nome do marido.
Há ainda o filme Imagining Argentina, filme fraquinho, mas elucidador com o Antonio Banderas e a Emma Thompson. O livro também se encontra disponível à venda.
Para terminar, um poema do Alexandre O'Neill, publicado em 1978
TAÇA DO MUNDO DE FUTEBOL (ARGENTINA, 1978)
O estádio River Plate situa-se a 700 mts. dum edifício pertencente à Marinha argentina onde se praticavam as piores torturas.
Em Buenos Aires, no River Plate,
a seis campos de futebol (medidas máximas)
do Centro onde, entre outros primores de jogo,
se chutavam testículos, mamas e cabeças,
a Taça do Mundo ferverá nas mãos de quem a ganhar,
de quem a empunhar, de quem por ela beber
A MERDA DE LÁ TER IDO.
Maio, 1978
Poética do quotidiano (LII)
Isto hoje é ao mais alto nível. O Monty, colaborador no Afixe, desencantou esta preciosidade:
Estatística nua e crua!
(a imagem pode ser vista em tamanho maior no post original)
Estatística nua e crua!
(a imagem pode ser vista em tamanho maior no post original)
dear Antony
terça-feira, novembro 09, 2004
Tearing down the wall
Eu lembro-me de ser de noite e de estar frio e da minha avó a passar a ferro e a dizer que os comunistas vinham por aí abaixo. E eu que anos antes tinha andado a defender a candidatura do Freitas à Presidência da República (contra o meu primo que defendia o Soares mas tinha menos autocolantes que eu) achei muito bonito as pessoas a chorarem e a beber champanhe da garrafa e a pularem para cima do muro e a falarem uma lingua muito estranha lá muito longe. E fiquei muito feliz por aquelas pessoas.
Small Male Stories (#20)
Prossegue a publicação dos contos do 1º concurso de contos gay da blogaysfera. A iniciativa, promovida pela Chá de Limão, decorre até ao próximo dia 15 de Novembro.
Hoje, apresenta-se o 20º candidato ao limão gay. Trata-se do Power que escrever o conto Despedida.
Todos os contos já publicados, aqui.
O regulamento está disponível, aqui.
Prossegue a publicação dos contos do 1º concurso de contos gay da blogaysfera. A iniciativa, promovida pela Chá de Limão, decorre até ao próximo dia 15 de Novembro.
Hoje, apresenta-se o 20º candidato ao limão gay. Trata-se do Power que escrever o conto Despedida.
Todos os contos já publicados, aqui.
O regulamento está disponível, aqui.
Poética do quotidiano (LI)
Para a 51ª distinção, uma dúvida. O Pastelinho de Belém, colaborador no De Puta Madre (onde a preguiça se torna blassé) quer saber se o mal está nele se nos outros. Parece que destas poéticas temos todos no nosso quotidiano. Será porquê?
Ganzado
Eu sei que de manhã tenho sempre um ar de ganzado.
Isto já não é a primeira vez que me acontece, mas hoje foi diferente porque foram logo duas vezes.
Hoje estava a passar debaixo do arco da Rua Augusta para ir apanhar o metro.
Não sei se será das olheiras ou do casaco de cabedal mas quando passo por aqueles paquistaneses (serão) que vendem óculos de sol, um vira-se para mim, mostra-me uma barra castanha e pergunta: "Coca?"
A voltar da escola a mesma cena no mesmo sítio com o mesmo paquistanes só que com uma variante: "Cavalo? É do bom e barato!"
Acham normal?
Para a 51ª distinção, uma dúvida. O Pastelinho de Belém, colaborador no De Puta Madre (onde a preguiça se torna blassé) quer saber se o mal está nele se nos outros. Parece que destas poéticas temos todos no nosso quotidiano. Será porquê?
Ganzado
Eu sei que de manhã tenho sempre um ar de ganzado.
Isto já não é a primeira vez que me acontece, mas hoje foi diferente porque foram logo duas vezes.
Hoje estava a passar debaixo do arco da Rua Augusta para ir apanhar o metro.
Não sei se será das olheiras ou do casaco de cabedal mas quando passo por aqueles paquistaneses (serão) que vendem óculos de sol, um vira-se para mim, mostra-me uma barra castanha e pergunta: "Coca?"
A voltar da escola a mesma cena no mesmo sítio com o mesmo paquistanes só que com uma variante: "Cavalo? É do bom e barato!"
Acham normal?
Ainda hoje...
... quero escrever sobre:
- a ideia do Governo acerca dos direitos de autor
- a audição da Ministra da Cultura, ontem, no Parlamento
- a minha memória da queda do Muro de Berlim
e iniciar uma nova série:
- Pequenos poderes e ditaduras
Mas até o fazer tenho que atravessar um universo de papers, comunicações, breves notas e outros apensos.
Mas para o final da noite, espero.
... quero escrever sobre:
- a ideia do Governo acerca dos direitos de autor
- a audição da Ministra da Cultura, ontem, no Parlamento
- a minha memória da queda do Muro de Berlim
e iniciar uma nova série:
- Pequenos poderes e ditaduras
Mas até o fazer tenho que atravessar um universo de papers, comunicações, breves notas e outros apensos.
Mas para o final da noite, espero.
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