Uma conversa com Pina Bausch - anúncio

Pina Bausch apresenta For the Children of Yesterday, Today and Tomorrow de 05 a 08 de Abril no Teatro Camões, em Lisboa.

Três desejos para o Dia Mundial do Teatro

Gostava de reiterar as fundamentais palavras do autor da mensagem oficial do Dia Mundial do Teatro, o Sultão Bin Mohammed Al Qasimi: “Nunca antes houve um tempo como o nosso, em que nos cabe a todos denunciar as guerras fúteis e as diferenças doutrinárias que, tantas vezes, erguem as suas cabeças de hidra, imperturbáveis perante a consciência plena de responsabilidade”.

Também eu gostava de falar sobre responsabilidade: de quem faz, de quem pensa, de quem decide. Uma responsabilidade que assumisse um contributo útil e cooperante, juntando vozes concordantes e dissonantes, sem receio de se verem ou sentirem ultrapassados. Sem o desejo furioso de impor projectos pessoais a estratégias globais. Impressiona-me que num contexto tão frágil se opte pela hipocrisia e a falsidade, com o mero intuito de defender essas estratégias, em vez de se abrir o diálogo e a acção a todos.

Porque continuamos a recusar um teatro que seja espelho real da sociedade, apostamos em metáforas pífias e inconsequências justificadas pelo ego e a ausência de memória.

Somos todos culpados pelo incumprimento das leis que nos regem, quando as há. E quando não existem, somos também por isso culpados. Somos todos culpados pela subalternização da arte e a ideia de mero entretenimento ao defendermos coutadas em vez de diversidade. Somos culpados, todos, pela discriminação sexual, ao fomentarmos peças homofóbicas disfarçadas de subversão e humor. Culpados pelo racismo e xenofobia, ao não abrirmos as portas à dramaturgia e às companhias que sobre esses temas trabalham. Culpados pelas diferenças sociais, ao nos recusarmos a ver, fazer e pensar uma outra ideia de intervenção cívica.

E seremos eternamente culpados se, conscientes disto tudo, continuarmos a celebrar, deitar foguetes e brindar, esquecendo tudo pouco depois. Muito por culpa nossa, a sociedade que temos é a sociedade que merecemos. E o teatro merece melhor.

texto lido ontem no São Luiz-Teatro Municipal, em Lisboa, no âmbito da iniciativa Três Desejos para o Dia Mundial do Teatro

Hoje é Dia Mundial do Teatro

Em 1961 o Instituto Internacional do Teatro (IIT), associado à UNESCO, criava o Dia Mundial do Teatro, marcado a 27 de Março para celebrar a inauguração do Théâtre des Nations, em Paris. Diz o IIT que é “uma ocasião para que os artistas partilhem com o seu público uma certa visão da arte e o modo como essa arte pode contribuir para a compreensão e a paz entre os povos”.

O Dia Mundial do Teatro comemora-se hoje por todo o mundo, indo ao encontro das palavras do autor da mensagem oficial, o Sultão Bin Mohammed Al Qasimi, membro do Supremo Conselho dos Emirados Árabes Unidos e Emir de Sharjah: "Teatro é vida. Nunca antes houve um tempo como o nosso, em que nos cabe a todos denunciar as guerras fúteis e as diferenças doutrinárias que, tantas vezes, erguem as suas cabeças de hidra, imperturbáveis perante a consciência plena de responsabilidade. Temos de pôr fim a cenas de violência e de matança aleatória. Constituindo ocorrências trivializadas no mundo de hoje, estas cenas são agravadas pelas diferenças abissais entre uma abundância perversa e a pobreza mais abjecta, por doenças como a SIDA que minam muitas partes do globo e derrotam os melhores esforços para as erradicar. Estes males andam acompanhados por outras formas de sofrimento, as resultantes da desertificação e seca, calamidades que vão sendo aumentadas pela ausência de diálogo genuíno que é, indubitavelmente, a maneira mais segura de fazer do nosso mundo um lugar melhor e mais feliz." (leia a mensagem oficial, em português, na OBSCENA #2).

Em Lisboa alguns teatros oferecem entradas gratuitas para os espectáculos e outros preparam festas. Dois exemplos: No São Luiz, entre as 17h e as 20h, cerca de 200 personalidades do mundo do teatro, da criação à técnica, da produção à crítica, da gestão à programação, revelam os seus três desejos para o teatro. No Maria Matos aproveita-se a data para celebrar o 1º aniversário do teatro, com DJs e After-show, a partir das 23h. A entrada para ambos os encontros é gratuita.

OBSCENA #3 disponível brevemente

Uma conversa com Mónica Calle, actriz e encenadora

Ao contrário do que sucedeu na dança no início dos anos 90, o surgimento da Nova Dança Portuguesa permitiu pensar-se na hipótese de um movimento que rompia com um modo de pensar e fazer a dança. Mas no caso do teatro esse rompimento deu-se muitos anos antes, com o surgimento dos grupos independentes que, hoje, são as companhias institucionais. Pelo meio ficaram nomes como o de Mónica Calle, o da Lúcia Sigalho, o Luís Castro, o colectivo OLHO, entre outros, provavelmente muito mais próximos de nomes que se consolidaram a partir de 2000, como o Teatro Praga, apenas para citar um deles. Por outro lado, ao mesmo tempo que estes surgiam, havia uma outra corrente, da qual fazem parte Álvaro Correia, Miguel Seabra (Teatro Meridional) ou Carlos J. Pessoa (Teatro da Garagem) que foram capazes de estabelecer ligações com esses grupos surgidos no fim dos anos 70. Quase que poderíamos dizer que existem duas camadas de gerações. Foi sustentada na dificuldade de definição geracional que começou esta conversa, naturalmente cúmplice, como só podem ser as conversas com Mónica Calle, actriz, encenadora e directora artística da Casa Conveniente.

«São as imagens que partem das palavras, não o contrário» - Mónica Calle

Começo com uma dúvida: onde te posicionar geracionalmente?

Em relação ao teatro não me identifico com a minha geração. Os meus modelos não são os modelos portugueses, e os anteriores a mim não servem de referência. Incomoda-me, por exemplo, que o Teatro da Cornucópia seja apontada como um modelo de grande qualidade de teatro de Portugal. É uma companhia estruturada com um determinado modelo, com um tipo de abordagem estética. Mas falo da Cornucópia apenas por isso, porque as minhas referências vêm do cinema, da literatura das artes plásticas. Os criadores que mais me marcaram foram a [coreógrafa] Pina Bausch e [o encenador e teórico] Tadeusz Kantor.

E estendes essa ideia de não-identificação aos que surgiram na mesma altura que tu, como aconteceu na dança?

Não é um movimento organizado, mas de um grupo de pessoas que na viragem da década de 80 para 90 procuraram outros espaços, até porque não tínhamos acessos a apoios, não existiam subsídios pontuais. Não sendo um movimento tão organizado como o da dança, que tinha um discurso, havia afinidades pessoais, por exemplo, com o João Garcia Miguel, a Lúcia Sigalho, o Teatro da Garagem, o Teatro Meridional. Entretanto, passaram quinze anos e a minha geração tem vindo a ser asfixiada. E isso percebe-se no trabalho da Lúcia, do João, que teve de inovar, o Meridional fez um interregno e agora voltou a encontrar uma energia, e também eu precisei de fazer uma paragem. Hoje sinto-me mais próxima de pessoas mais novas do que eu, nas questões que colocam, nas condições de trabalho.

Mas houve experiências colectivas que denunciavam uma procura de um caminho, e que inclusive levaram à criação da Casa Conveniente, a partir do espectáculo A Virgem Doida, em 1992.

Na Virgem Doida havia a preocupação de reunir uma série de colegas do Conservatório, de reforçar empatias. Mas éramos muito novos, ainda agarrados a modelos académicos. Eu tinha apenas um discurso sobre mim como performer. Recordo-me de fazer um espectáculo chamado Crónicas [CCB, 1997] de cujo elenco faziam parte do elenco a Lúcia Sigalho, a Maria Duarte, o Luís Castro e o José Meireles e foi um espectáculo duríssimo. Houve um choque de personalidades, havia necessidade de afirmação por todos, afirmação de diversas linguagens e discursos. Pessoas que ainda não tinham uma linguagem, e cujos discursos estavam em construção. E eu própria também não tinha um pensamento estruturado, sobre que actor é que queres, que actor é que queres? Mas as coisas foram evoluindo e a partir daí, senti-me com maturidade, senti que podia fazer um trabalho em continuidade e com o mesmo grupo de pessoas, construindo com eles uma linguagem.

Que se define como?

Eu nunca tive muitas certezas sobre que tipo de teatro queria fazer porque um espectáculo tem vários planos de leitura, vários tempos, e cada espectador agarra o que puder agarrar, entra nos planos que puder. As coisas foram acontecendo de forma lenta. Vais descobrindo, o discurso ainda é disperso, estás a formar-te como pessoa, a formar-te como criador, vais definindo opções. Tudo aquilo que foi acontecendo no meu trabalho não estava definido, o discurso, a relação com o espectador, as coisas foram sendo estruturadas. Em 2002 com O bar da meia noite, encontrei um grupo de pessoas novas que naquele momento me faziam sentir vontade de construir qualquer coisa, pesquisar uma linguagem. Em 2003 tentei transportar o que queria da Casa Conveniente para o CCB, em Um dia virá, mas houve alguma coisa com que não soube lidar. Na Culturgest, com Os paraísos do caminho vazio, que fiz no anfiteatro, na rua, houve uma recusa em entrar na sala. O bar da meia noite [2002, CCB] foi o terceiro espectáculo fora da Casa Conveniente e serviu para reflectir sobre essas saídas. Tem também a ver com essas experiências anteriores, entre 1995 e 1999. Por fim, as pessoas, que eram muito novas e tinham uma grande disponibilidade, obrigando-me a construir um discurso sobre o actor.

O actor mas não sobre a personagem?

Há questões que para mim são essenciais. Desde logo o actor e a questão da não representação ou da não construção da personagem. Quero eliminar isso. Mas também a implicação do uso da palavra, tal como o que implica usar-se texto. São as imagens que partem das palavras, e não o contrário. E assim criar um discurso estruturado sobre um estar em cena, como aconteceu com As três irmãs [2003]. Tem que se dar a possibilidade de o espectador escolher o que está a ver.

Essa é uma questão fundamental para a compreensão do teu teatro, que se relaciona intimamente, ou depende muitíssimo, do espaço onde decorre. Situação que Julietas [2005] também acusou, ao se apresentar na Culturgest, espaço menos pessoal que a Casa Conveniente. Há nesta busca de um espaço uma busca de um território que se prolonga na relação com o espectador.

Falo para todas as pessoas. Uma das razões para vir para o Cais do Sodré era tentar misturar pessoas. Não falo para ninguém em particular, falo para as pessoas. Nos espectáculos em que sou criadora e perfomer tenho domínio absoluto sobre a criação. Posso fazer experimentar coisas, descobrir questões novas, que na realidade só posso fazer comigo própria. Mas também me permite abrir isso aos outros. São pontos de chegada que se tornam pontos de partida. Por exemplo, quando tens um filho, tu deixas de ser o centro. O que talvez tenha acontecido é que tenha ficado mais forte. Nestes últimos dois anos pus tudo em causa. Tentei construir um determinado modelo de estrutura mas que não foi possível. Acho que Julietas foi um espectáculo que indicou essa falência.

Que se relaciona com a mudança de espaço [em 2001 a Casa Conveniente mudou-se para uma antiga discoteca em frente ao bar Jamaica, também no Cais do Sodré]?

A Casa antiga colocava-me sempre a questão do lugar. O lugar do discurso artístico, o lugar da palavra, que lugar da arte, que lugar na vida. Que lugar é este que se procura? É uma coisa gradual. Precisa de um tempo de maturação. A relação entre o interior e o exterior. O tempo real e o tempo do teatro, a consciência da simultaneidade destes dois tempos são das coisas mais importantes. Eles coexistem sempre, em paralelo, o tempo real e o tempo fora do tempo, não os anulas. Mesmo hoje, quase seis anos depois, a nova Casa Conveniente ainda não é o meu espaço.

Mas sabes o que procuras?

Quero explorar um teatro pobre assente na palavra, na proximidade, na partilha. E sinto vontade de estar sozinha, de voltar a fazer um espectáculo sozinha. Preciso de o fazer. É muito bom trabalhar com outras pessoas mas também é muito importante fazer trabalhos sozinha. Tudo o que posso experimentar pode ser mais radical. Ir à inocência das minhas questões.

Com a colaboração na edição de Pedro Manuel. Fotografia de José Luís Neves. Mónica Calle é uma das convidadas da conferência Pensar a Criação Contemporânea dedicada ao Espaço, a decorrer na Culturgest no próximo dia 16 Abril 07. Está, neste momento, a preparar a estreia do espectáculo Krapp's last tapes.

Càmara de Lisboa homenageia nomes do teatro de revista

Foram ontem entregues, no Teatro Maria Vitória, em Lisboa, quatro medalhas da Cidade a artistas do teatro de revista, antecipando outras que serão entregues ao longo desta semana, no âmbito do Dia Mundial do Teatro, que se celebra amanhã. A cerimónia decorreu no intervalo da revista Já viram isto?, em cena no Parque Mayer, e justificada pelo Presidente da Câmara, Carmona Rodrigues, como “uma homenagem às pessoas que deram tanto ao teatro, mas também à vida da cidade de Lisboa”.

O actor Octávio de Matos, o também actor e cantor Artur Garcia, a fadista Deolinda Rodrigues e o empresário, já falecido, Sérgio de Azevedo, receberam as medalhas das mãos do Presidente da Câmara, que se fez acompanhar pelo Vereador da Cultura, Amaral Lopes. Este agradeceu ainda aos actores o facto de “serem pessoas que nos aproximam do Olimpo”. E, a dois dias do Dia Mundial do Teatro, desejou que “todas as pessoas das finanças deste país fossem mais ao teatro, à música e à dança ver porque é que os actores nunca vão à falência”: E disse ainda que esperava poder continuar a “rir, a chorar e a sentir a falta do teatro”. Ideia que foi, aliás, aproveitada por Artur Garcia que disse não querer morrer “sem pisar o palco onde se estreou em 1965”, o Maria Vitória.

Foi uma noite de celebração que reuniu muitos amigos dos quatro homenageados mas também nomes do espectáculo. Entre eles Vítor Espadinha, Fernanda Baptista, Anita Guerreiro, António Calvário, Vera Mónica, Tito Lívio, Ruy de Carvalho, Norberto Barroca, Alina Vaz e Linda Silva.

Carmona Rodrigues disse que, em relação ao futuro do Parque Mayer, não queria fazer promessas, mas “sendo uma pessoa determinada”, trabalhava todos os dias para que brevemente tivessem todos novidades. A sala, praticamente cheia, aplaudiu ruidosamente. O Presidente da Câmara referiu ainda que “não há nenhum motor na sociedade que não esteja baseado numa cultura sólida e abrangente que não é só de uma elite mas de um povo inteiro”.

Olga Roriz: gestos que vão do corpo à alma

excerto do texto Momentos de Transição publicado no programa do espectáculo Programa da Primavera, da Companhia Nacional de Bailado, que se apresenta hoje em Lisboa, dia 29 em Aveirto e dia 31 em Leiria.

Treze Gestos de Um Corpo estreou no Ballet Gulbenkian em 1987 (na foto), dois anos depois de Olga Roriz conceber para a Companhia Nacional de Bailado As Troianas. O diálogo entre estas duas peças era evidente, tendo Roriz, na altura em franca ascensão, encontrado margem de trabalho que lhe permitia conceber, para companhias de repertório, uma linguagem assumidamente pessoal e íntima. Ligavam as peças a forte presença do corpo marcado por um movimento ousado e reivindicativo, uma plasticidade tanto ao nível da disposição cénica como da própria estruturação coreográfica, e ainda uma proximidade e identificação da autora com as potencialidades dos elencos.

Só em 2003 é que Roriz regressou à CNB para conceber Pedro e Inês e mais tarde, em 2005, para remontar Sete Silêncios de Salomé, de 1993. Vinte anos depois, regressa a Treze Gestos…, necessariamente repensando-a de acordo com uma filosofia de trabalho que a obriga a conceber uma remontagem numa massa de corpos que não são os da sua companhia, nem sempre são conscientes da sua força enquanto intérpretes e, sobretudo, vivem de uma permanente adaptação/adequação às linguagens de cada coreógrafo com quem trabalham. São, ao mesmo tempo, corpos experimentados mas corpos viciados. É esta dimensão de prática que importa resgatar numa peça que marcou uma época, tanto ao nível do percurso da coreógrafa como da própria dança em Portugal.

Em 1987 começávamos a ter acesso aos primeiros trabalhos dos coreógrafos da Nova Dança Portuguesa que tinham vivido em Nova Iorque e em França, chegando agora com novas ferramentas que imprimiriam outras dinâmicas ao modo de fazer, pensar e ver dança. Era o tempo da série de televisão Fame, que libertava a presença dos rapazes na dança de ridículos preconceitos e democratizava o movimento. O papel das instituições, e em particular o papel das companhias de repertório, necessitava de uma definição, de uma reformulação. Em boa hora a Gulbenkian encontrou em Olga Roriz a audácia necessária para recentrar o intérprete no interior da coreografia, indo ao encontro das perguntas fundamentais da teórica Laurence Louppe [1]: “como pode o corpo contemporâneo encontrar a sua liberdade? Mas sobretudo a possibilidade de inaugurar um espaço que lhe seja próprio?”.

Treze Gestos de um Corpo respondia àquilo que eram as novas abordagens coreográficas da dança independente introduzindo-as no contexto de uma companhia de repertório, nomeadamente essa da individualidade. Cada um dos 13 homens e das 13 mulheres, dos solistas aos estagiários, ocupavam um mesmo destaque na peça, entre os quais Gagik Ismalian, solista do Ballet Gulbenkian. A democratização que isto pressupõe não se explica sem ter em consideração as revoluções estéticas, burocráticas e filosóficas que aqui se conjugavam. Não era de todo evidente que a peça conseguisse impor uma linguagem própria, e para esse sucesso em muito concorreu a conjugação do trabalho de Roriz com os de Nuno Carinhas, nos figurinos e cenário, de Orlando Worm, no desenho de luz, e de António Emiliano, na composição sonora. Mais do que uma peça de um só nome, antes um trabalho de colectivo para outro colectivo. Um confronto de forças. De um lado os génios criativos de quem procurara um espaço artístico mais amplo e transversal. Do outro uma massa de corpos ansiosos por serem notados.

Aquilo que esta peça propõe é uma dissecação de um só corpo em vários outros através de solos pessoalíssimos, no qual são exploradas as valências de cada intérprete. Na estreia da peça foi fundamental que os elencos de dividissem em homens e mulheres, abrindo assim o leque de possibilidades de leitura. Eles numa linha bastante mais sensual, porque viril e tensa (e Olga Roriz sempre criou peças onde os homens eram mais sensíveis – mesmo mais humanos – que as mulheres), elas numa procura mais explosiva. O verso e o reverso de um mesmo gesto, explorado que era por corpos diferentes que buscavam a mesma unidade. Corpos que eram, eles mesmo, verso e reservo de si.

Há no modo como Roriz sequencia os vários solos uma qualquer melopeia que quase trabalha em sentido contrário à extraordinária e profundamente urbana banda sonora de António Emiliano. Na agressividade do gesto reside um poder imenso de sedução que também é de procura e de carência. Peça marcadamente humana, Treze Gestos de um Corpo constrói-se a partir das energias de cada bailarino que precisa saber encontrar a coerência da sua personalidade no confronto com o desenho proposto pela autora. Ela nitidamente projecta-se naqueles corpos. Veja-se, por exemplo, Jardim de Inverno, o solo que criou para si em 1989, onde o corpo solitário explode num território marcado. Mas, sobretudo repare-se na recorrência imagética de peças que vivem de solos, Sete Silêncios de Salomé e Pedro e Inês, dando aos intérpretes um confronto corporal exposto a todos, mas profundamente privado.

Ecos de um legado precioso que Roriz sempre soube explorar, nem sempre da melhor forma, mas suficientemente coerente para se compreender que o gesto e o corpo de que fala são um gesto e um corpo interiores, prisioneiros, necessitados de uma explosão. Que o tenha sabido fazer aqui e que, vinte anos depois, conserve uma força, uma identidade e um desígnio próprio, é a prova de que a história é feita de momentos que não só captam com a acuidade certa o ar do tempo como o perpetuam. Ajudando-nos assim a abrir janelas pelas quais respirar. Ou, no caso, portas por onde escapar.

[1] Poetique de la danse contemporaine, Contredanse, Bruxelas, 2004,

Fotografia de Eduardo Saraiva

Crítica de teatro: A Filha Rebelde

A Filha Rebelde
De Margarida Fonseca Santos
Encenação de Helena Pimenta
Teatro Nacional D. Maria II
Até 20 Maio 2007



De vergonha em vergonha, até à derrota fatal

Que vivemos num tempo de revisionismos históricos não é novidade. E que cada vez mais esses revisionismos são disfarçados como apropriações da História em nome de estratégias pessoais, menos ainda. Mas que o Teatro Nacional, por consequência a representação directa do Estado (e deste Estado), para mais democrático, possa branquear a História em nome da eficácia dramatúrgica é coisa que eu achava não ir assistir. Inocência minha. Bastou-me ir ao D. Maria II, particularmente em noite de estreia de A Filha Rebelde, para ver o Estado de direito, da esquerda reaccionária à direita bafienta, a aplaudir de pé o novo opus cénico da gestão Carlos Fragateiro-José Manuel Castanheira a fazer as vezes de recuperação da memória.

A peça é uma versão telenovelesca da cuidada investigação de Valdemar Cruz e José Pedro Castanheira, publicada no Expresso, do lateral e muito pouco relevante fait-divers que é Annie Silva Pais, bonequinha do regime e filha do director geral da PIDE, se ter tornado passionária da causa cubana. Não me incomoda particularmente que se faça da História o que bem se achar, desde que os factos que são factos não sejam escamoteados em nome de dramaturgia que a bem da verdade nem existe. Ora, depois da redução da vida quotidiana da aborrecida burguesiazinha de Lisboa, entre a maior ou menor vigilância de Salazar, ao grau zero do retrato social, e da transformação da revolução cubana num festim social sem mácula, chegar ao fim de hora e meia de peça e ter que assistir à regeneração de Silva Pais, porque afinal o escroque sofria de profunda mágoa pelo desvio da filha, é não só ridículo como vergonhoso numa democracia saída de uma ditadura que nem coragem teve para se assumir enquanto tal, como a nossa. Que desgraça esta a de termos que pagar por estes serões para trabalhadores de esquerda, como brilhantemente designou Elisabete França no Diário de Notícias de 21/03.

Se a intenção era entreter as hostes, que se abrissem os salões do Nacional para uma noite de música cubana. Uns mojitos servidos na esplanada do Nacional – agora que o bom tempo parece de regresso – eram bem mais úteis e certamente ajudariam a que muitos dissessem o que realmente pensam desta farsa em forma de peça de teatro. Não havia necessidade de se promover a dramaturgia nacional as inconsequências desta peça, alimentada a caricaturas de personagens perdidas em fragmentos de ideias e de cenas intervalas numa lógica muito própria e nada evidente que confunde mitos com verdades. Não há pathos, não há linhas fortes, não há uma frase que fique na cabeça, nem uma ideia, um ensinamento, uma ponta de interesse por se saber, ou mesmo justificar, a verdadeira história. Nada. Apenas o vazio na imensa corrente de ar que existe entre as várias portas desenhadas por José Manuel Castanheira, entretanto também ele, e por enquanto, designado cenógrafo oficial do regime.

Que num teatro que se quer Nacional se fale da história do país, não é nem uma conquista nem um feito maior do que a obrigação, até moral, de quem o dirige. Mas nem tudo serve de desculpa. E esta filha rebelde nem de desculpa serve. Falta-lhe, entre outras coisas também elas graves, um contexto. Como explicar às gerações mais novas que estão perigosamente a esquecer que já vivemos em ditadura e que houve uma polícia política que não dava apenas um sustos? Como explicar, ainda, o que representou Silva Pais? E que efeitos a revolução cubana teve na Europa? Como se vivia naquela altura em Portugal? Que alta roda era aquela de onde a rapariguinha saiu? Mas, sobretudo, alertar todos para os perigos de nos determos somente nos fait-divers esquecendo que a História foi outra coisa.

E não há fait-divers maior do que o perpetuar de uma ideia romântica de um Che Guevara que com o tempo se tornou o ídolo pop imortalizado na fotografia do Korda e estampado em tudo quanto é revolucionário acneico de festival de verão, fazendo esquecer que foi, sobretudo, participante activo na guerrilha que tomou de assalto Cuba e ainda hoje se perpetua enquanto ditadura. Estivesse ele vivo e o que nos garantia que não era tão ou pior ditador que o outro? Ou Cuba são só as praias de Varadero, os charutos feitos por mão escrava e os longos e patéticos discursos do moribundo Fidel? Ou o teatro, sobretudo o Nacional, serve só para se passarem umas horas a ver uns fantoches manietados em vez de actores a dizerem umas coisas que deviam ser diálogos de uma peça mas não passam de amontoados de palavras?

Eu escrevo isto e até parece que me esqueço que, já no Trindade, Carlos Fragateiro fizera da História gato-sapato, com os delírios juvenis de Freitas do Amaral (O Magnífico Reitor, 2000) e os remendos do nacional-cançonetismo feitos manifestação estudantil (O Navio dos Rebeldes, 2002). E agora que se anuncia o regresso de férias de Salazar, para mais escolhido em casting nacional ("um Salazar em cada esquina", não era o que se dizia?) não há quem ponha cobro a este arrivismo estético, cénico e dramatúrgico? A esta leveza e desorientada linha que faz do TNDMII o palco do branqueamento da história? Da promoção do mais básico argumento? Da total incapacidade em criar um acesso à memória que não passe por nivelamento rasteiro e indigno? Não há, neste Estado de direito, quem ainda acredite que o teatro não se limita a criar ficções, mas a interpretar realidades? E que a interpretação desta realidade, porque grosseira, primária, superficial, inadequada e ofensiva, é contrária a tudo aquilo que se defendeu e conquistou ao longo dos últimos trinta anos? Ou o hasta la victoria, só é siempre se acabar a tempo de ainda se apanhar o bar aberto?

Críticos de música juntam-se em jantar de homenagem a Pinamonti

Um conjunto de críticos ou ex-críticos de música, entre os quais Cristina Fernandes (Público), Bernardo Mariano (Diário de Notícias), Jorge Calado (Expresso), Maria Augusta Gonçalves (Jornal de Letras) e Vanda de Sá (Antena 2), juntar-se-ão num jantar de homenagem a Paolo Pinamonti, o futuro ex-director do Teatro nacional S. Carlos, na próxima segunda-feira, em Lisboa. A estes nomes juntam-se os de Augusto M. Seabra (actualmente com uma coluna semanal no site da Culturgest), Alexandre Delgado (compositor) e Rui Vieira Nery (ex-Secretário de Estado da Cultura e sub-director do Departamento de Música da Fundação Calouste Gulbenkian), entre outros.

Na nota que fizeram circular justificam-se dizendo que "nunca os signatários se haviam reunido como o fizeram para prestar o seu reconhecimento a Paolo Pinamonti, no momento em que vêem interrompida a continuidade de uma direcção que, face a repetidos constrangimentos orçamentais, tinha manifestado um esforço e uma imaginação continuadas em tentar responder às missões de um teatro nacional de ópera e aos níveis artísticos desejáveis". E acrescentam que apesar das "opiniões diferenciadas sobre as propostas artísticas dessa direcção e suas realizações" que tiveram ao longo dos seis anos de direcção de Pinamonti à frente do S. Carlos, não entendem como "compreensíveis os termos expeditos com que a tutela dispensou quem tanto tinha prestigiado o São Carlos".

Acusam o Ministério da Cultura de praticar "um exercício de arbitrariedade política" que pode "interromper a continuidade de trabalhos artísticos para mais constatando que os responsáveis do Ministério da Cultura procederam ao contrário do disposto no programa do governo, no sentido da existência de 'direcções artísticas menos dependentes da lógica de nomeação governamental'".

Recorde-se, a este propósito que o Secretário de Estado da Cultura, Mário Vieira de Carvalho, afirmou em declarações ao Diário de Notícias (26/01) "o São Carlos não é para servir o projecto do director artístico. Este é que serve o projecto do São Carlos. E este é definido pelo Governo." A polémica da saída de Pinamonti do São Carlos deve-se à anunciada fusão com a Companhia Nacional de Bailado, situação contra a qual este se manifestou.

Este será o segundo jantar que reúne apoiantes de Pinamonti, depois de na semana passada um grupo de 20 nomes da crítica, política e cultura se terem juntado num jantar privado, também em Lisboa.

Escrevem os críticos que o jantar acontecerá no Hotel Vila Galé Ópera (Travessa do Conde da Ponte, junto ao edifício da Orquestra Metropolitana de Lisboa), pelas 20h30. As inscrições e confirmações poderão ser feitas através do mail: bravopinamonti@gmail.com , ou por sms para 969534172 até ao próximo sábado, às 20h00.

aguasfurtadas 10. Agora também disponível em Lisboa.

A revista "aguasfurtadas" está à venda na livraria Da Mariquinhas, na Rua dos Cordoeiros, ao Largo de Santo Antoninho, em Lisboa.

Sábado, 24 de Março, às 16h30. Espaços JUP, Rua Miguel Bombarda, 187, Porto.

APRESENTAÇÃO DA ÁGUAS FURTADAS 10.

10 CONVIDADOS ESCOLHEM 10 OBRAS PUBLICADAS NOS 10 NÚMEROS DA REVISTA ÁGUAS FURTADAS.

Com a participação de Carlos Guedes, Daniel Pedrosa, Jorge Palinhos,Luís Trigo, Nelson d'Aires, Nelson Quinhones, Nuno F. Santos, Pedro Carreira de Jesus, Rui Dias, Rui Lage, Rui Penha, Samuel Silva, Sérgio Couto e Virgínia Pinho.

Landscape, de John Romão, amanhã em Almada

22 Março 2007
duração: 20min.
sessões contínuas entre as 20h-23h.
entrada livre.



Land Escape, a primeira vídeo-instalação de John Romão, apresenta em forma de díptico um dia da vida de um rapaz e de uma rapariga, mas desde o início um elemento de estranheza parece atravessar todo o trabalho. Cada projecção corresponde a cada uma das personagens e o facto de serem sincronizadas e instaladas paralelamente sugerem-nos à partida um diálogo directo entre as mesmas. No entanto, apenas existem monólogos ou pensamentos que se vão intercalando durante os cerca de 20 minutos de vídeo e que acompanham as acções que vamos assistindo.

"A particularidade deste trabalho reside na forma como o artista explora a ideia de movimento e na forma subtil como o regista, de tal forma que as posições que os corpos das duas personagens adoptam parecem estáticas e quase escultóricas".
Sofia Nunes

concepção e direcção: JOHN ROMÃO câmara e fotografia: SÉRGIO BRÁS D' ALMEIDA montagem: JOHN ROMÃO e SÉRGIO BRÁS D' ALMEIDA actores: DIOGO BENTO e SARA CIPRIANO assistência: MARIANA VASCONCELOS apoio: CÂMARA MUNICIPAL DE ALMADA integrado na Quinzena da Juventude de Almada

Casa Municipal da Juventude de Cacilhas (Ponto de Encontro)

Rua Trindade Coelho 3, Cacilhas

Informações: 212748210

infos enviadas no press-release e da responsabilidade dos autores

Ajagato edita 7º número da revista Cena's

Já está disponível online, mas também nas livrarias, o nº 7 da revista Cena's editada pela Ajagato, de Vila Nova Santo André. O número traz uma entrevista a Teresa Ricou, directora do Chapitô e a famosa mulher-palhaço Tété, que diz, claramente: "Viver a liberdade é algo que se aprende".

Uma ideia que vai ao encontro dos objecttivos de publicação desta revista, acto de resistência de um projecto marginal e descentralizado. O percurso da Ajagato é, aliás, contado em amplo dossier com números, factos, contas e relatórios. Escreve-se no editorial: "Face, antes do mais, à “ditadura” do défice e da crise, que cerceia os apoios públicos indispensáveis a este tipo de projectos. Política que se quer erigir como fatalidade, como qualquer coisa de inevitável, mas também de “sensato”, de “lógico”, com que a querem tornar verdade inquestionável, imposta a criadores, agentes, práticas culturais e inculcada na opinião pública. Mas acto de resistência, também, face aos que, apoiando-a directamente ou não, a olham como potencial pólo desequilibrante das suas representações da realidade. Acto de resistência, ainda, face à disputa que se trava no domínio do cultural e que remete para a questão, velha de séculos, da alienação".

Este número inclui ainda um ensaio de minha autoria sobre o Teatro Praga, um texto de Carlos Fragateiro, director do Teatro Nacional D. Maria II, sobre a peça Viriato Rei, encenada por João Mota e apreentada no último Festival de Mérida, em Espanha, e um texto de Mário Costa sobre o projecto Viv'arte.

21 de Março, Dia Mundial da Poesia

tchekov anton rebocava o seu

pulmão pelos ares da crimeia

mais ou menos quando a engomadeira

de cesário passava os seus pulmões

pelo carvão do ferro

gorki vai visitá-lo palmilhá-lo e à cancela

observa-o no umbroso jardim chapéu na mão

aparando no côncavo um cambiante raio

do sol que pela folhagem trémula se infiltra

gorki retém-se vê o tostão de sol

cair no chapéu de um anton neto de servos

vê anton virar tac o chapéu e espreitar para dentro

como quem tirado o chapéu nele procurasse

a sua própria cabeça

tchekov brincava com o alheio sol

na pessoal solidão

Alexandre O'Neill, O chapéu de Tchekov

foto do espectáculo Les Histrions/ Elisabeth Carecchio

Les bloggeurs sont-ils des partenaires du spectacle vivant ?

A rede informal internacional Scénes 2.0, que reúne seis blogs de crítica de dança, 5 franceses (Clochettes, Images de danse, Tadorne, Un soir ou un autre, Danse à Montpellier), 1 belga (Da...nce) e 1 português (O Melhor Anjo), anima-se num debate sobre o que pode e não pode ser a crítica online. Pergunta-se: Les bloggeurs sont-ils des partenaires du spectacle vivant ? . A suivre ici.

Revista Àguas Furtadas 10 já à venda

Já está disponível para venda o nº 10 da revista Águas Furtadas, editada pelo Núcleo de Jornalismo Académico do Porto. Traduzem-se poemas de Gez Walsh, Óssip Mandelstam, Stéphane Mallarmé e William Shakespeare, e publicam-se outros de Rogério Rola e Vitor Oliveira Jorge.

O também poeta e contista Manuel António Pina escreve um belo ensaio sobre o Winnie the Pooh, e há outro ensaio, de minha autoria, sobre o lugar do espectador no teatro contemporâneo português. Traz, como sempre, um cd, desta feita com música de Ângela Ponte e Nuno Estrela.

A revista custa 12€, tem 300 páginas e está à venda na livraria Da Mariquinhas, na Rua dos Cordoeiros, ao Largo de Santo Antoninho, em Lisboa.No Porto, a revista encontra-se disponível em vários pontos: Matéria Prima, Maria vai com as outras, Poetria, Galeria Sargadelos, etc. Também pode ser encomendada por e-mail.

A revista terá uma primeira apresentação, dia 24 de Março, nos Espaços JUP (Rua Miguel Bombarda, 187), no Porto, às 16h00, no âmbito das comemorações dos 20 anos do NJAP/JU, a associação que a edita.

William Forsythe: a ambígua verdade

excerto do texto Momentos de transição publicado no programa do espectáculo Programa da Primavera, da Companhia Nacional de Bailado em cartaz até 24 Março no Teatro Camões, em Lisboa.

Numa crua análise à figura e ao percurso de William Forsythe, as autoras de La Danse au XXe Siècle [1], Isabelle Ginot e Marcelle Michel, apresentam-no como “o símbolo mais marcante de integração de uma certa modernidade no mundo clássico”. Mas não deixam de referir “que atrás das suas lentes de ferro, ele mantém um olhar frio sobre uma época de crise e decadência. Pensando-o em relação a Merce Cunningham, que persegue como que sob hipnose uma aventura com o movimento, Forsythe não tem nada de revolucionário. É sobretudo um divulgador utilizando todos os estilos, todos os procedimentos já utilizados por outros coreógrafos para descrever o estado do fim de século”.

Não nos podemos esquecer que Forsythe é contemporâneo de uma corrente artística que teve como equivalentes nas artes plásticas um Andy Warhol, na música um David Bowie e no cinema um Jean-Luc Godard. Ou seja, a reformulação como resposta ao contexto é quase genética. Há uma consciência situacional que o força a este jogo de reciclagem. E Forsythe nunca escondeu a ambição de dar à sua assinatura uma ambiguidade que lhe permitisse a reformulação estética, de forma e conteúdo, consoante os ventos soprassem. O seu percurso, de um pós-neo-clássico à manipulação das novas tecnologias e da vídeo-dança levaram a que se questionasse se era uma fraude ou o grande génio do século XX.

A dúvida permaneceu sempre e assombra o legado deste coreógrafo norte-americano, essencial para compreender a profunda crise que atravessou (e atravessa) a dança nos Estados Unidos depois de George Balanchine, Merce Cunningham e do Judson Dance Theater Group. Mas sobretudo após o advento da dança contemporânea ter deslocado para a Europa, e em particular para o eixo França-Alemanha, o epicentro das reformulações coreográficas. Forsythe inscreveu o seu nome na dança do último quartel do século XX através de um percurso onde reciclou os códigos, sabendo sempre da falibilidade do que fazia. É por isso que mais facilmente se contextualiza o seu trabalho no panorama europeu que no americano – isso mesmo provam as sucessivas encomendas e, desde 1984, a direcção do Ballet de Frankfurt, na Alemanha.

Ele diz: “Eu não sou mais herdeiro de Balanchine que ele era de Petipa. (...) Vivo no tempo da bomba atómica, da poluição e da SIDA, na época do stress, da violência e dos computadores… Sou um coreógrafo de hoje. Trabalho com o vocabulário clássico porque é o meu e me apercebi que na sua desestruturação retiramos as partes estranhas até aqui ocultadas pelo ballet. Considero o meu trabalho como uma actividade de reposicionamento”[2].

The Vertiginous Thrill of Exactitude é disso exemplo. Na peça de 1996 recordamos a resistente organicidade e a precisão suíça de um Concerto Barroco, de Balanchine (1941), mas também a necessária desmontagem contemporânea que recusa a narrativa. Mas sobretudo evita a cedência à dança moderna, vistosa e fátua. Existe, num espaço e num tempo particulares, o do momento da apresentação, como se um hiato temporal extremo ocupasse o palco. É uma elegantemente anacrónica e emocionada peça onde Forsythe leva mais longe a ideia de uma coreografia que vive de cruzamentos referenciais. Ao imprimir, apenas através da música, uma organização dos intérpretes, joga a partir de dados identificáveis regenerando-os.

Não estamos já, e apenas, no diálogo coreografia-música, no que isto pressupõe de cedências mútuas (naturalmente com a subjugação da primeira à segunda). Há um outro elemento-chave: o intérprete, agora humanizado. Forsythe explora o esforço físico (“bailarinos-atletas” chamaram certa vez aos seus intérpretes), mas integra-o na estrutura cénica. É ele o centro desta peça, e não apenas o movimento. A prova disso está na apropriação especial do último andamento da 9ª Sinfonia de Schubert. Criando de forma extraordinária um jogo coreográfico de solos, trios e duetos, ora sincopados ora sincronizados, provoca um jogo de xadrez entre os bailarinos que resulta numa estrutura cumulativa, cada vez mais vertiginosa, quase transcendente. Os intérpretes perdem-se numa espiral de movimentos intensa, noção reforçada pela necessária exactidão com que a devem dançar. Ficamos com a sensação de que poderiam continuar por horas já que a peça não tem necessariamente um princípio, meio e fim. E num tempo de indefinições como este em que vivemos não poderia haver melhor representação.

[1] Larousse, Montreal, 2002;
[2] idem

Legenda da foto: interpretação pelo Kirov Ballet/autoria: John Ross

No You tube encontram-se excertos desta peça.

Culturgest anuncia programação para os próximos meses

A estreia mundial da nova peça do coreógrafo João Fiadeiro (Para onde vai a luz quando se apaga?, 04 e 05 Maio), a vinda a Portugal dos nova-iorquinos Elevator Repair Service (Gatz, 22 a 24 Junho) e da companhia alemã Rimini Protokoll (Mnmeopark, 12 a 14 Abril), a integral dos filmes do filósofo Guy Debord, comissariada por Ricardo Matos Cabo (13 e 14 Abril) e a segunda edição da iniciativa PANOS – Palcos Novos, Ideias Novas (25 a 27 Maio) são alguns dos destaques da programação que a Culturgest apresenta entre Abril e Julho.

Cinema, debates, dança, teatro, música e exposições para vários públicos e vários gostos compõem o leque de propostas de uma programação que inclui ainda o regresso em concerto da mítica Laurie Anderson (15 Julho), um ciclo dedicado à coreógrafa Meg Stuart, em colaboração com o CCB e o Teatro Camões (03 a 13 Julho), uma retrospectiva dos filmes do taiwanês Hou Hsiao-Hsien, desenhada por Augusto M. Seabra (16 a 20 de Maio) e o ciclo de conferências/debates Pensar a Criação Contemporânea (na foto), organizado por mim e com a participação de coreógrafos e encenadores (09 a 30 Abril).

A programação contempla ainda o novo-circo, com a reposição de Contigo, criação de João Paulo Pereira dos Santos e Rui Horta (19 e 20 Julho), uma colaboração com o Festival de Almada, onde são apresentadas de duas peças, Sete contra Tebas, de Diogo Dória (10 a 15 Julho), e Anathema, com texto de José Luís Peixoto, pela companhia belga tg STAN (07 a 11 Julho) e o regresso do teatro ao ar livre pelo Teatro ao Largo (A Viúva Astuta , 29 e 30 Junho). A dança completa-se com a primeira peça infantil de Tiago Guedes (Matrioska, 05 a 11 Maio) e Hors Sujet ou le bel ici, da francesa Martine Pisani (15 e 16 Junho).

Na música apresentam-se o pianista Mário Laginha (26 Junho), num diálogo de piano, bateria e contra-baixo pensado no âmbito da Trienal de Arquitectura de Lisboa, o compositor e cantor brasileiro José Miguel Wisnik (29 Junho), a francesa Elisabeth Kontomanou (02 Junho) e os russos Coro Sirin, em mais uma iniciativa do ciclo sobre religião Os Filhos de Abraão (19 Maio).

De referir ainda as exposições dedicadas aos Prémio União Latina (13 Abril a 13 Maio) e Prémio Fidelidade Mundial Jovens Pintores (14 Abril a 13 Maio), a do colectivo esloveno Irwin e as instalações e esculturas do português Miguel Palma (ambas de 02 Junho a 02 Setembro).

Festival d'Avignon apresenta nomes fortes da programação 2007

Foram apresentados na passada terça-feira os nomes fortes da programação do Festival d'Avignon 2007, a decorrer em França de 06 a 27 Julho. Os alemães Sasha Waltz e Raimund Hogue, na dança, e Frank Castorf no teatro, bem como o encenador argentino Rodrigo Garcia, o italiano Romeo Castelluci e os franceses Ariane Mnouschkine, Ludovic Lagarce e Jean-Pierre Vincent são alguns desses nomes para um festival pensado pelo encenador francês Frédéric Fisbach, artista convidado desta edição.

Com as secções paralelas a serem apresentadas apenas em Maio - nomeadamente as apostas na nova criação no programa Sujet à Vif, onde já se mostraram os portugueses Leonor Keil e João Paulo Pereira dos Santos - bem como o ciclo de leituras de jovens autores africanos, a edição 2007 do mais importante festival do Velho Continente, concentra esforços numa programação que recupere os públicos, a crítica e os profissionais que nas últimas edições tem posto em causa a função do Festival d'Avignon. Recorde-se que em 2003 o festival foi cancelado por causa das greves dos intermitentes (os profissionais do espectáculo sem contrato certo), e em 2005, em virtude de uma programação assinada por Jan Fabre, que deu à dança e aos novos diálogos entre as disciplinas o lugar de destaque no festival, usando a mítica Cour d' Honneur des Papes, se viu a braços com uma profunda crise de identidade.

A programação deste ano aponta para um consenso no cruzamento do teatro com a dança, as artes plásticas e mesmo a ópera ou as marionetas, dado o percurso de Frédéric Fisbash, um dos nomes que integra a associação Sans Cible (em francês, sem alvo, mas também sugerindo sensível) que junta vários encenadores na reflexão sobre o lugar do teatro no espaço público. É essa noção de presença num espaço partilhado que a direcção de Vincent Braudiller e Hortense Archambault, 34 e 32 anos respectivamente, deve reforçar, sobretudo depois de ter sido confirmada a renovação por mais dois anos da condução do festival.

A programação pode ser consultada no site.

Le Festival d'Avignon a présenté les noms les plus forts de l'édition 2007. Voir ici le programme

The French Festival d'Avignon has launched the first names of 2007 edition. See the programme here

Crítica na internet cria plataforma internacional de discussão

No início eram quatro blogues franceses apaixonados pelo espectáculo que não se contentavam em serem apenas consumidores: chamavam-se Clochettes, Images de danse, Tadorne, Un soir ou un autre.

Um dia encontraram-se e decidiram juntar os seus artigos com o objectivo de proporcionarem aos leitores um palmarés original, independente, desinteressado, fruto de criticas cruzadas de espectadores como eles. Chamaram-lhe Scénes 2.0 porque se reconheciam no movimento do Web 2.0 que pressupõe fazer da Internet uma rede de colaboração democrática.

O princípio do palmarés de Scénes 2.0 é simples. Abrange todas as expressões do espectáculo, dando particular destaque ao teatro e à dança contemporânea. A cada crítica publicada o blogger participante atribui ao espectáculo que acaba de ver uma nota de 0 a 6. Uma sondagem virtual está aberta para permitir aos internautas a atribuição a sua própria classificação. No fim de cada temporada a nota média dos internautas é considerada juntamente com as notas dos bloggers para a determinação do palmarés Scénes 2.0 do ano.

Mas Scénes 2.0 será sobretudo um lugar de reflexão e de projectos para que a blogosfera se possa desenvolver na paisagem mediática cultural como um espaço de comunicação entre os leitores, os artistas e as instituições. Scénes 2.0 será uma rede, uma tela de palavras, de lugares, de imagens e de emoções para que a criação cultural possa participar nos desafios do mundo global. Bela utopia!

É esta a mensagem de acolhimento de Scénes 2.0, um site novo, ainda não completamente bonito (amadores do relooking são bem-vindos), 100% manual que, esperamos, ajudará os internautas a melhor se prepararem para os espectáculos em tournée e, se o desejarem, lhes oferece, a partir de agora, uma plataforma para se exprimirem*.

É com orgulho que O Melhor Anjo é um dos blogues que faz parte do Scénes 2.0, ao lado dos franceses Clochettes, Images de danse, Tadorne, Un soir ou un autre e do belga Da…nce.

*tradução do texto francês apresentado no Scénes 2.0

Director do São Carlos despedido por carta

in Expresso


Paolo Pinamonti terá recusado continuar à frente do São Carlos. Hoje recebeu uma carta da ministra da Cultura em que ficou a saber o nome do seu sucessor: Christoph Damman o actual director da Ópera de Colónia [...] deverá receber “mais ou menos” o mesmo que Paolo Pinamonti. Mas segundo o ministério da Cultura isso é “irrelevante”. O mais importante, assegura uma fonte do Palácio da Ajuda, “é o curriculo de Christoph Dammann que é fabuloso”.

autor da notícia: Nuno Saraiva